Aeropsicodélico

Top 10 Valentine's Day

2012-02-14T16:07:00.015-03:00

Invoquei minha porção Rob Gordon para fazer uma pequena lista de 10 temas relacionados ao amor; que no fim das contas é o que deve (ou deveria) motivar o Valentine's Day.

Tentei fugir de coisas óbvias como "All My Love" (Led Zeppelin) e "Love of My Life" (Queen). Espero que vocês gostem da minha lista. Se não gostarem... fazer o quê?

The Doors - "Love Me Two Times" - Composta pelo guitarrista Robbie Krieger, "Love Me Two Times" faz parte do segundo álbum dos Doors, Strange Days. O ano era 1967, e muitos jovens americanos cometeram o erro (ou foram forçados por suas famílias a cometê-lo) de ir para a guerra do Vietnã. O tema da canção é justamente a despedida de um jovem combatente e sua namorada/esposa.

Wilson Pickett - "I'm Gonna Love You" - Wilson Pickett foi um cantor de soul e R&B que teve bastante sucesso na década de sessenta, nos EUA. Artistas diversos como Led Zeppelin, Rolling Stones, Roxy Music, Bruce Springsteen, Echo and The Bunnymen e The Jam já o citaram como influência. "I'm Gonna Love You" é um verdadeiro hino aos casais apaixonados, que não escolhem hora, local ou ocasião para se amarem.

Beck - "Think I'm in Love" - Esse é sem dúvida um dos maiores dilemas do amor: saber se está ou não apaixonado por alguém. Afinal, quem não passou por isso?

Amy Winehouse - "Love Is A Losing Game" - A garota problema da música, falecida ano passado, teve a infelicidade de conhecer bem a pior faceta dos relacionamentos a dois: a dor. Em "Love Is A Losing Game" ela não estava falando de uma hipotética relação desastrosa. Era ela mesma, a própria Amy Winehouse quem estava ali, na letra da canção.

The Ronettes - "Be My Baby" - Sim, elas pareciam uma grande armação de gravadora. Bonitas e com fama de boas moças, as The Ronettes foram uma espécie de Jonas Brothers da juventude americana da década de sessenta. O sucesso da banda se despedaçou quando a vocalista Veronica Bennett se casou com o produtor do grupo, Phil Spector, mudou seu nome artístico para Ronnie Spector, e sem querer acabou confirmando os boatos de que eram mesmo uma banda fabricada. Mas nada disso tira o mérito de "Be My Baby", uma das canções de amor mais conhecidas e deliciosas de todos os tempos, e que duas décadas depois de seu lançamento voltou a fazer sucesso ao entrar na trilha do filme Dirty Dancing.

The Contours - "Do You Love Me?" - Quando se fala em Motown, a gravadora responsável por lançar os principais ícones da música negra americana, geralmente se pensa em The Supremes, Smokey Robinson, Steve Wonder, Marvin Gaye, The Temptations e The Four Tops. A The Contours também pertenceu ao casting da Motown, mas quase não é lembrada. Injusto para um grupo que emplacou o verdadeiro arrasa-quarteirão que foi "Do You Love Me". A canção foi uma verdadeira febre na Inglaterra do começo da década de sessenta, tendo versões feitas por Brian Poole and The Tremeloes, The Hollies e Dave Clarke Five. Nos anos seguintes, The Sonics, Johnny Thunders and The Heartbreakers também a interpretaram, e já foi cantada até pelo canastrão David Hasselhoff num dos episódios de Baywatch.

Etta James - "I Just Want to Make Love to You" - Falecida recentemente, Etta James foi uma das divas da música negra americana. Transitou com perfeição pelo Jazz, Blues, Soul e Rhythm & Blues. Sua influência atravessou os tempos e chegou até nossos dias. As cantoras Christina Aguilera e Beyoncé são suas fãs declaradas. Beyoncé, inclusive, chegou a interpretar Etta no filme Cadillac Records, de 2008. Em "I Just Want to Make Love to You, Etta dá uma verdadeira aula de interpretação e sentimento. Sua voz absurdamente excitante e exalando uma forte paixão, representa fielmente a alma da mulher apaixonada.

The Beatles - "Baby, It's You" - É verdade que os Beatles lançaram inúmeras canções de amor, mas "Baby, It's You", presente em seu primeiro disco, é uma das mais emblemáticas.

U2 - "All I Want is You" - Não, essa definitivamente não é a "All I Want is You" do Bryan Adams; e muito menos a "All I Want is You" do Justin Bieber. A canção do U2, longe de ser uma balada romântica, simplista e piegas, é um verdadeiro tratado às concessões que o amor nos obriga a fazer. Para completar, o belo acompanhamento de cordas foi composto por ninguém menos que Van Dyke Parks, o responsável - ao lado de Brian Wilson - por Smile, dos Beach Boys.

The Smiths - "There Is A Light That Never Goes Out" - Há um ditado que diz que “todos nascemos e morremos sozinhos”. Em “There Is A Light” um angustiado Morrissey busca uma solução para esse dilema, ao menos no que diz respeito à questão da morte. As teorias conspiratórias dizem tratar-se de uma profecia de Moz acerca do trágico falecimento da Princesa Diana. Fato é que a letra tristemente amarga - emoldurada pelo instrumental mais belo já feito - acabou por se tornar o mais contundente voto de amor já escrito.

E feliz Valentin's Day para todos!

The Drums lança cover das The Ronettes no Valentine's Day

2012-02-14T15:11:00.006-03:00

A badalada banda nova-iorquina The Drums liberou para download gratuito em sua página no Facebook, a canção "Do I Love You?", das The Ronettes.

A versão original da música fez parte do único álbum das Ronettes, Presenting The Fabulous Ronettes Featuring Veronica, de 1964.

As The Ronettes foram um dos girl groups mais famosos da década de sessenta; foram produzidas pelo mago Phil Spector, que era casado com a vocalista principal do grupo, Ronnie Spector (seu nome de solteira era Veronica Bennett, o que explica o 'Featuring Veronica' do título).

O álbum emplacou três hits no Top 30 americano: "Be My Baby" (#2), "Walking in the Rain" (#23) e "Baby, I Love You" (#24). "Do I Love You?", que ganhou agora essa versão da The Drums alcançou a posição de número 34.

Apesar do sucesso, que fez com que a banda excursionasse com os Beatles, as The Ronettes se separaram apenas dois anos após o lançamento do disco. A fama de Phil Spector, no entanto, apenas cresceu. Nos anos seguintes ele produziria álbuns para os Beatles (Let It Be) e Ike & Tina Turner.

O relançamento da faixa pela The Drums se deve ao Valentine's Day, que é a versão gringa do Dia dos Namorados, comemorada todo dia 14 de fevereiro.

Confira abaixo a versão da The Drums para "Do I Love You", o clássico das The Ronettes.

Banda da Semana: Marina and the Diamonds (País de Gales)

2012-01-26T16:09:00.005-03:00

Marina nasceu num cafundó do País de Gales, chamado Abergavenny. Filha de uma galesa, seu nome de batismo é Marina Lambrini Diamandis. O sobrenome Diamandis é herança do pai grego.

Depois de lançar dois EP's independentes, Marina estreou com o álbum The Family Jewels (2010), distribuído pela gravadora Atlantic. O disco recebeu ótimas críticas por parte da imprensa especializada e chegou ao quinto posto da parada britânica.

A razão do destaque talvez seja a diversidade de estilos em que Marina se lança, movendo-se, por exemplo, entre o pop ("Oh No!") e o eletrônico ("I Am Not A Robot") com impressionante facilidade. Para fins comparativos, eu diria que ela está em algum lugar entre Florence Welsh, Regina Spektor e Katy Perry.

Duas informações importantes: a primeira diz respeito ao nome da banda. Os diamantes são uma tradução britânica para o sobrenome Diamandis.

A segunda é que um novo disco da garota foi anunciado para 2012, e deverá se chamar Electra Heart. Se for tão bom quanto a estréia, então vem coisa boa aí.

As sugestões do Aeropsicodélico são os vídeos de "Obsessions" e "Hollywood" (aqui numa versão um pouco diferente da que está em The Family Jewels).

Marina and the Diamonds é para quem gosta de: Regina Spektor, Kate Nash e Florence and the Machine.

O ídolo está chegando

2012-01-24T16:11:00.004-03:00

Desde que se confirmou a presença de Morrissey no charmoso festival chileno de Viña Del Mar, os fãs brasileiros do ícone inglês iniciaram uma campanha pelas redes sociais que em uma semana beirou a histeria.

Mas agora, ao que tudo indica, o bardo virá mesmo ao Brasil onde fará três apresentações. Segundo nota divulgada no site oficial de Morrissey e no fanzine virtual True To You, Moz fará shows em Porto Alegre-RS (Pepsi On Stage, 07 de março), no Rio de Janeiro (Fundição Progresso, 09 de março) e na capital paulista (Espaço das Américas, 11 de março).

A informação contraria o que alguns sites andaram divulgando, quando, no afã de anunciar logo a sequência dos shows brasileiros, deram duas datas para as gigs paulistanas.

Resta agora encarar a "fila" que se fará para a compra dos ingressos pela internet. Preparem o cartão de crédito, os dedos e a paciência, moçada.

Lançamento: Let's Go Eat The Factory (Guided By Voices)

2012-01-17T23:37:00.010-03:00

Let's Go Eat The Factory, novo álbum da banda americana Guided By Voices é uma verdadeira viagem no tempo, dividida em duas paradas.

Num primeiro momento, a banda - que estava inativa desde 2004 - pára em 1996 e recupera sua formação clássica, com o vocalista, guitarrista e compositor Robert Pollard trazendo de volta seus parceiros Tobin Sprout (guitarra) e Mitch Mitchell (guitarra - homônimo do baterista de Jimi Hendrix), Greg Demos (baixo) e Kevin Fennell (bateria). O GBV não tocava com esse lineup desde que lançou Under the Bushes Under the Stars, há 15 anos.

Já acompanhado de seus colegas, Pollard se lança mais uma vez de volta no tempo, chegando ao mítico ano de 1968. Ano de revoluções que, diferente do flower power colorido e sonhador do biênio 66/67, foi amedrontador e intrigante. Aqui há o flerte com os locais mais recônditos da mente. Longe de encarar o melhor do indivíduo, a sonoridade mergulha no lado caótico do pensamento humano, com seus turbilhões de emoções contraditórias e caleidoscópio de fobias modernas.

A sensação de vertigem faz-se presente logo nos primeiros acordes de "Laundry & Lasers", uma espécie de prima bastarda de "Interestellar Overdrive", do primeiro disco do Pink Floyd. A comparação com o grupo de Syd Barrett continua na tensa "The Head".

Em "Doughnut for a Snowman" temos um pedacinho das good vibrations beatlenianas. A canção é seguida por "Spiderfighter", que num primeiro momento se parece bastante com alguma sobra do disco-solo de Noel Gallagher.

Uma sombria sessão de cordas e um vocal ameaçador são o cartão de visitas de "Hang Mr. Kite"; enquanto que "God Loves Us" leva o Joy Division ao festival de Altamont, aquele mesmo onde, em 1969, um homem foi assassinado por uma gangue de Hell's Angels durante uma apresentação dos Rolling Stones.

Sinta o cheiro das ruas da Paris de maio de 68 ao ouvir "The Unsinkable Fats Domino". Depois temos "Who Invented The Sun". Singela, essa canção é o oposto da que a segue. "The Big Hat and Toy Show" é uma trip de 2:12 de duração, que mais parece uma tentativa da banda em afinar o baixo e a guitarra.

A música volta às boas com "Imperial Racehorsing", uma bela canção roqueira que nos faz imaginar como o Who seria se houvesse consumido mais LSD do que rhythm and blues. "How I Met My Mother" traz guitarras aditivadas, que acabam preparando terreno para a faixa seguinte, "Waves". Por falar em "Waves", ouvindo essa música é impossível não pensar num encontro interessante entre a "Heroes" de David Bowie com as guitarras dos Strokes, e tudo isso produzido pelo pessoal do R.E.M..

Se você quiser, pode pular a insípida "My Europa" e ir direto pra "Chocolate Boy", uma faixa que se assemelha ao que Paul McCartney fez de melhor nos últimos anos.

Estamos chegando na sequência final de Let's Go Eat The Factory, e quem abre esse bloco é "The Things that Never Need". Pense no computador HAL9000, do clássico da ficção científica 2001 - Uma Odisseia no Espaço, tentando compor algo no piano. Pois bem, "The Things that Never Need" é mais ou menos assim.

Caótica e indecisa é "Either Nelson"; ao passo que "Cyclone Utilities (Remember Your Birthday)" e "Old Bones" bem que poderiam ter sido duas contribuições de John Lennon ao Álbum Branco.

Assim como "My Europa", as faixas "Go Rolling Home" e "The Room Taking Shape" não fariam falta alguma nesse álbum, ou em qualquer outro.

Por fim temos "We Won't Apologize for The Human Race", de tom desafiador como os discursos de Roger Waters.

Com 21 músicas em 42 minutos de duração (a maior faixa é justamente "We Won't Apologize for The Human Race", com 4:00 minutos), Let's Go Eat The Factory é um verdadeiro labirinto musical que pede para ser explorado com cuidado. É notório que se trata de um trabalho com personalidade própria, e o que agora pode ser interpretado como sendo comum ou uma repetição de paradigmas já existentes, tem um visível potencial para se tornar algo grandioso e (porque não?) épico, mais adiante.

Nesses tempos em que um single vale mais que mil palavras, a Guided By Voices - assim como o Wilco no ano passado - dá sua humilde contribuição no resgate do álbum conceitual; daquele tipo de disco que a mera disposição sequencial de suas canções já despertava ideias no ouvinte. Afinal, se lhe facultassem escolher entre duas opções, qual você escolheria: uma tour em um grande alambique ou uma simples dose de pinga?

Apreciem um pedacinho de Let's Go Eat The Factory, a faixa "The Unsinkable Fats Domino".

Álbum da Semana: The Greatest (Cat Power)

2012-01-16T16:09:00.009-03:00

Quando lançou The Greatest em 2006, Cat Power já tinha um nome respeitado na cena alternativa mundial.

Desde muito cedo, Charly "Chan" Marshall sabia o que queria. Ainda jovem, largou a escola no ensino médio e partiu para Nova Iorque com o sonho de viver de música. Sob o nome Cat Power gravou seus três primeiros discos, Dear Sir (1995), e mais Myra Lee e What Would the Community Think, ambos em 1996. Depois da turnê do terceiro, resolveu abandonar a música e foi viver com o namorado numa fazenda no estado americano da Carolina do Sul.

Inspirada - literalmente - por seus próprios pesadelos, gravaria em 1998 o álbum que a iria colocar no centro da cena indie americana: Moon Pix.

Em Moon Pix, Chan Marshall foi acompanhada pelos australianos Mick Turner (guitarra) e Jim White (bateria), ambos do grupo Dirty Three, e mais o baixista Andrew Entsch. O álbum ganhou destaque graças às canções "American Flag" e "Cross Bones Style".

Depois de um álbum em que interpretava canções de outros artistas (The Covers Record, lançado em 2000), Marshall volta com You Are Free. Neste disco conta com as participações de Eddie Vedder e Dave Grohl.

Em 2005, exausta com as sucessivas turnês e mergulhando cada vez mais na dependência de álcool e drogas, a cantora sofre um colapso e interrompe abruptamente uma série de shows que fazia pelos EUA. Internada em uma clínica de repouso, se recupera e sai da instituição direto para os Ardent Studios, em Memphis, Tennessee. É lá que grava The Greatest, aquele que é considerado sua obra prima.

The Greatest é um daqueles discos iluminados, cujas atmosfera e energia um artista dificilmente encontra mais de uma vez em sua carreira.

Tudo aqui é poderoso e emana emoção. Da abertura com a intensa faixa título, passando pela leveza de "Living Proof", o engasgo ferido de "Lived in Bars" e a refrescante, soul e estradeira "Could We", The Greatest segue criando uma estrutura confortável, aconchegante ao redor do ouvinte, como que tentando suavizar o atrito do ser ferido com o mundo hostil e frio lá fora.

Tal impressão se mostra ainda mais real em "Empty Shell". Já "Willie" é um verdadeiro hino à força e ao seguir adiante.

"Where Is My Love?" é de gelar o sangue, como as melhores canções de Neil Young e Leonard Cohen; enquanto que "The Moon" soa como uma continuação inconsciente de "Satellite of Love", de Lou Reed.

Logo após a canção de ninar "Islands" temos a deliciosa "After it All", a dolorida "Hate" e a pesada e urbana "Love & Communication".

The Greatest alcançou o primeiro posto da parada independente americana e ganhou a cotação de cinco estrelas da revista Rolling Stone.

O disco possui uma atmosfera soul e jazz digna de respeito. Trata-se de um trabalho para se ouvir como alimento (ou remédio) para a alma.

Cat Power voltaria em 2008 com o também exuberante Jukebox, mas com toda certeza será The Greatest que tornará seu legado memorável, ao menos por um bom tempo, até a próxima obra prima.

Com vocês, dois momentos de Cat Power em The Greatest: primeiro a faixa-título, em apresentação no programa de Jools Holland. Fiquem depois com a poderosa "Love & Communication".

God Save Bretanha: S.C.U.M (Inglaterra)

2012-01-15T15:13:00.006-03:00

A S.C.U.M foi formada em Londres no ano de 2008. Seu nome foi retirado do livro SCUM Manifesto, que foi escrito em 1967 pela feminista radical americana Valerie Solanas.

Solanas seria a mesma que, um ano depois do lançamento do livro, tentaria matar a tiros o pai da pop art Andy Warhol.

A sonoridade da banda formada por Thomas Cohen (vocais), Bradley Baker (sintetizadores e programações), Samuel Kilcoyne (teclados), Huw Webb (baixo) e Melissa Rigby (bateria) mantém resquícios de Public Image Ltd, do David Bowie da fase Berlim, e dos mestres do synthpop inglês Gary Numan e Soft Cell.

Seu primeiro single, "Visions Arise", lançado em setembro de 2008, foi produzido por Tom Cowan. Para quem não sabe, Cowan é integrante da - também inglesa - The Horrors.

Soltaram Against into Eyes, seu álbum de estréia, ano passado. Janeiro de 2012 já marca o lançamento de outro single da S.C.U.M: trata-se da faixa "Faith Unfolds".

Fique com a dançante "Whitechapel" - faixa que faz parte de Against into Eyes, e se deixe levar pelo vigoroso revival pós-punk promovido pela S.C.U.M.

S.C.U.M é para quem gosta de: Gary Numan, David Bowie, Soft Cell e Public Image Ltd.

Banda da Semana: Tennis (EUA)

2012-01-12T16:43:00.006-03:00

Você não precisa ser fã de Gustavo Kuerten, Rafael Nadal, Roger Federer ou Novak Djokovic para gostar dessa banda.

Tennis é um duo americano formado pelo casal Patrick Riley (guitarra e vocais) e Alaina Moore (vocais e teclados). Os dois se conhecem desde os tempos da faculdade - ocasião em que estudaram filosofia juntos - mas a banda só saiu mesmo em 2010.

Lançaram ano passado o álbum Cape Dory, de onde podemos extrair as deliciosas "Marathon" e "Take Me Somewhere".

Em breve deverão lançar seu segundo disco, Young & Old, que é de onde o Aeropsicodélico retirou a faixa "Origins" para mostrar para vocês.

O som da Tennis emana aquela aura doce e refinada presente na música de Camera Obscura e The Clientele. Coisa que deve agradar em cheio quem gosta do rock clássico e cheio de frescor de Beach Boys e Buddy Holly, bem como da impressão sentimental das girl groups sessentistas como The Ronettes e The Shirelles.

Tennis é para quem gosta de: Camera Obscura, Beach Boys, The Shirelles, Surf Music safra anos 60

Rock Brasilis: Quarto Negro (São Paulo)

2012-01-11T16:54:00.006-03:00

Eles já estão na estrada faz um tempo. Desde o lançamento do EP Buu (2008), e tendo passado temporadas em Nova Iorque e Buenos Aires, a formação paulistana Quarto Negro foi aos poucos ganhando nome e experiência.

Em 2009 a banda lançou a faixa "Zoroastro" que se destacou na trilha do curta metragem Hemea, de Daniel Barosa.

Após alguns meses em Barcelona, a banda voltou ao Brasil ano passado com o álbum Desconocidos debaixo do braço. O disco contém 11 faixas e foi gravado no El Tostadero, uma atinga fábrica de café que depois de desativada foi transformada em estúdio. A produção de Desconocidos ficou nas mãos de Marc Molas, proprietário do El Tostadero.

Pós-Rock, influências de Wilco, Coldplay (antes da grandiloquência), poesia latina (Neruda e Vargas Llosa) e MPB são facilmente percebidas em canções como "Versânia I (Cabo Horn)" e "San Telmo #1".

O núcleo da Quarto Negro é formado pelos músicos Eduardo Praça (voz, guitarra e violões), Thiago Klein (piano) e Fabio Brazil (baixo).

Aprecie o caviar sonoro da banda Quarto Negro em "Desconocidos", faixa-título de seu primeiro álbum, em apresentação gravada no Estúdio Trama.

Quarto Negro é para quem gosta de: Wilco, Radiohead, Coldplay (dos dois primeiros discos), MPB

Assista aqui o novo vídeo da Selvagens à Procura de Lei

2011-12-15T15:22:00.005-03:00

Se a cena rock cearense vinha ganhando destaque com a carreira em franca ascensão da Selvagens à Procura de Lei, ela agora pode se orgulhar de outro feito dos nossos quatro rapazes de Fortaleza: Saiu o segundo vídeo da SAPDL, "Mucambo Cafundó". O primeiro havia sido "Amigos Libertinos", lançado em julho.

O novo trabalho conta com direção e edição de Joélio Souza, que também fez parte das imagens, com a colaboração de Arthur Henrique. A banda é flagrada em vários momentos, tocando, curtindo a vida ou passeando por São Paulo e - claro - Fortaleza.

Diversos pontos da capital cearense aparecem no vídeo, como a Ponte dos Ingleses, o Mercado Central, e o calçadão da Praia de Iracema. Bom para o Brasil conhecer um pouco mais do rock feito na Terra do Sol e ir se acostumando com a "Mucambada".

Top 10 dos melhores álbuns internacionais de 2011

2011-12-12T11:34:00.023-03:00

10º Lugar - Dum Dum Girls - Only in Dreams (Dum Dum Girls é uma banda formada na Califórina. São quatro garotas influenciadas por Ramones, Jesus and Mary Chain, Nico, Billie Holiday e Patti Smith. Nesse Only in Dreams elas revisitam o shoegazing, o punk e o bubblegum americano dos anos 50 e 60. "Always Looking" é perfeita para se ouvir curtindo exibições daqueles surfistas de pranchão. Já o turbilhão de guitarras em "Teardrops on My Pillow" é de fazer marmanjo fã de U.F.C. chorar de alegria.)

9º Lugar - The Kooks - Junk of the Heart (Nenhum lançamento de 2011 mostrou tanta evolução por parte de uma banda, quanto Junk of the Heart, da banda inglesa The Kooks. Canções como "How'd You Like That", "Mr. Nice Guy" e "Junk of the Heart (Happy)", de tão alegres que são, não foram feitas para se ouvir ao nascer do sol, e sim para fazer o sol nascer.)

8º Lugar - Bombay Bicycle Club - A Different Kind of Fix (Em seu terceiro trabalho, a banda liderada por Jack Steadman fez uma mescla do que já havia produzido em seus dois primeiros discos. Com violões, camadas sobrepostas de guitarras exalando energia e uma bela cozinha formada pelos técnicos Ed Nash (baixo) e Suren de Saram (bateria), a Bombay Bicycle Club reverencia Smiths ("How Can You Swallow So Much Sleep"), Teardrop Explodes ("Bad Timing"), Police ("Leave It") e Teenage Fanclub ("Shuffle") num álbum exuberante. Menos english cool, impossível.)

7º Lugar - Real Estate - Days (Natural de New Jersey, nos EUA, a Real Estate rivalizou com a Beach Fossils como banda que melhor resgatou aquele lirismo do rock britânico oitentista. Disco de ritmo lento, feito sob medida para acalmar o coração depois de um dia agitado. Ouça "Green Aisles" e "Wonder Years" e você entenderá o que estou falando.)

6º Lugar - The Decemberists - The King Is Dead (Feito com a pequena ajuda do amigo Peter Buck (do R.E.M.), The King Is Dead é mais uma prova do talento do gênio de Colin Meloy. Deixe-se levar pelo frescor de "Calamity Song" e por "Down by the Water", que conta com a inconfundível guitarra Rickenbacker de Buck.)

5º Lugar - Wild Flag - Wild Flag (A Wild Flag é a legítima herdeira da Sleater-Kinney. Não por acaso: duas de suas integrantes já integraram a banda do Oregon, famosa por ser uma das líderes do movimento riot grrrl. Em seu homônimo álbum de estréia, as ex-Sleater-Kinney Carrie Brownstein (vocais e guitarra) e Janet Weiss (bateria), mais a ex-Helium Mary Timony (vocais e guitarra) e a tecladista Rebecca Cole, fazem um rock cru e vigoroso de dar inveja em muito marmanjo. Vide as faixas "Romance", "Black Tiles" e "Electric Band".)

4º Lugar - Beach Fossils - What A Pleasure EP (A Beach Fossils é uma banda nova-iorquina que reedita as sonoridades do jangle pop britânico da década de oitenta, reverenciando Felt, Smiths e Aztec Camera, dentre outros. Esse EP com oito músicas traz verdadeiros tesouros que contam com letras poéticas e aquele instrumental delicado, feito à base de guitarras com efeitos chorus. "Adversity" e "Out in the Way" são dois excelentes exemplos.)

3º Lugar - The Vaccines - What Did You Expect From The Vaccines? (What Did You Expect... chegou cercado de muito buchicho. Nos meses que antecederam seu lançamento, muito se especulou se a banda inglesa teria condições de assumir a responsabilidade que outrora havia sido dos Strokes, de serem os novos "salvadores do rock". Ficaram um pouco aquém disto, mas que "Post Break Up Sex", "Wreckin' Bar", "Blow It Up" e "Norgaard" são boas demais, ah isso são.)

2º Lugar - Stephen Malkmus and the Jicks - Mirror Traffic (Depois de Mirror Traffic, só mesmo os fãs mais aguerridos do Pavement irão pedir a Stephen Malkmus que volte à sua antiga banda. O disco traz momentos climáticos como "Jumblegloss", mas também verdadeiras pedradas como "Senator" e "Tune Grief". Digo ainda que poucas coisas podem ser tão deliciosas quanto "Stick Figures in Love".)

1º Lugar - Wilco - The Whole Love (Jeff Tweedy conseguiu mais uma vez. Seu The Whole Love é uma verdadeira obra de arte. O álbum é uma espécie de "Ovo Fabergé" da música, cravejado de jóias e ornado de pequenos detalhes que só lhe acrescentam mais beleza. Da bela estranheza de "Art of Almost", passando pelo bucolismo de "Born Alone", à tranquilidade de "One Sunday Morning", tudo aqui é paradoxalmente exuberante e simples ao mesmo tempo.)

Top 10 dos melhores álbuns nacionais de 2011

2011-12-11T23:29:00.033-03:00

10º Lugar – Autoramas – Música Crocante (Já dizia a letra daquela canção famosa “quem sabe faz a hora, não espera acontecer”. Sem contrato com uma gravadora que acreditasse no trabalho da banda, Gabriel Thomaz e seus Autoramas arregaçaram as mangas e realizaram esse álbum graças a um sistema de financiamento coletivo. Bancado pelos fãs, que ganharam em troca desde ingressos para os shows até uma das guitarras de Gabriel, Música Crocante mantém o mesmo padrão Autoramas de qualidade. Canções como “Domina” e “Máquina” funcionam como aquele energético famoso. Ao final de Música Crocante, você constatará que “Autoramas te dá aaaasas...”.)

9º Lugar – Wado – Samba 808 (Em seu sexto disco, o cantor catarinense radicado em Alagoas faz um apanhado geral de tudo o que já havia feito, e produz um disco encorpado e ao mesmo tempo bastante leve. Destaque para “Portas São Pra Conter ou Deixar Passar”, feita em parceria com Fernando Anitelli (Teatro Mágico) e “Não Pára Não”, uma mistura interessante de Akon com o funk carioca “Elas Estão Descontroladas”.)

8º Lugar – Nevilton – De Verdade (Em De Verdade, a banda paranaense Nevilton (de Umuarama, como eles fazem bem questão de frisar) usa as guitarras para contar histórias repletas de personagens simples e cativantes, como em “Pressuposto” e “Vitorioso Adormecido”. Vale conferir e se empolgar.)

7º Lugar – Criolo – Nó na Orelha (O ano de 2011 tornou o rapper Kleber Cavalcante Gomes numa unanimidade dentro do cenário musical brasileiro. Artisticamente conhecido como Criolo, Kleber esteve em evidência durante praticamente todo o ano, tendo atraído uma boa quantidade de fãs e curiosos à frente do palco principal do festival Planeta Terra, em novembro. As canções “Subirusdoistiozin” e “Não Existe Amor em SP” foram aclamadas como maiores destaques de Nó na Orelha, mas é em “Sucrilhos” que o bicho pega de verdade, em versos como “(...) Cientista social, Casas Bahia e tragédia; gostar de favelado mais que Nutella. Quanto mais ópio você vai querer? Uns prefere morrer ao ver o preto vencer”, onde Criolo clama por mais poder para o povo preto. É nós...)

6º Lugar – Filipe Catto – Fôlego (Fã de Cássia Eller, PJ Harvey e Elis Regina, o gaúcho Filipe Catto estréia com moral nesse Fôlego. Com uma assinatura vocal que muito o assemelha a Ney Matogrosso, Filipe Catto se revela um cantor versátil e pronto para o sucesso. O artista emplacou uma música (“Saga”) na trilha da novela global Cordel Encantado e com isso começou a ficar falado. Multifacetado, Catto aponta em várias direções, que vão do soft blues de “Adoração” ao samba de “Crime Passional”.)

5º Lugar – Los Porongas – O Segundo Depois do Silêncio (Contando com o apoio do Ministério da Cultura, a banda acreana Los Porongas lançou seu segundo disco esse ano. O trabalho dá continuidade ao rock meio britânico-meio oriental do álbum de estréia homônimo, lançado em 2007. O Segundo Depois do Silêncio prima pela sofisticação lírica, que dessa vez prescinde de fronteiras e referenciais geográficos. “Mais Difícil” é asfixiante na mesma proporção que se mostra libertadora. Enquanto que “A Dois” é tão bela que consegue, sozinha, bater o novo disco do Coldplay. Com a diferença que, no caso da Los Porongas, existe adoçante no lugar das toneladas de açúcar da banda de Chris Martin. Rock Made in Acre Wins!)

4º Lugar – Selvagens à Procura de Lei – Aprendendo a Mentir (O grande mérito da banda de Fortaleza foi ter ressuscitado o guitar rock romântico. Numa época em que a maioria das bandas do novo rock nacional foca seu som em nomes nacionais como Beth Carvalho e Cartola, e internacionais da ordem de Radiohead, Yeah Yeah Yeahs, Strokes e Arctic Monkeys, a Selvagens à Procura de Lei se desviou um pouco disso. Sim, existe a clara influência das duas últimas bandas citadas; mas uma audição mais atenta de Aprendendo a Mentir revela pinceladas de Beatles, The LA’s, The Pastels e Teenage Fanclub. A dupla de guitarras formada por Gabriel Aragão (também vocalista e letrista) e Rafael Martins (que também canta alguns temas) proporciona ao ouvinte verdadeiras massagens cardíacas. Casos de “Doce/Amargo” e “Mais Um Palhaço no Seu Carnaval”. A referência ao torrão natal, sua tão amada Fortaleza, do tão querido Ceará, está em “Mucambo Cafundó” e “Esperando pelo 051”. Os Selvagens metem as caras tímidos, sem parecerem preocupados com métricas hiper elaboradas ou citações a Villa-Lobos e Vinicius de Moraes. Não pediram bênção a Milton, nem a Gil ou Bethania. Os Selvagens não se importam de iniciar sua carreira engatinhando. Afinal, o velocista Usain Bolt também começou assim.)

3º Lugar – Gloom – Gloom (Ser roqueiro no meio da Meca sertaneja não deve ser fácil. Esse é o habitat da galera goiana da Gloom. O homônimo disco da banda traz todas as receitas possíveis de ska: temos ska combinado com surf music (“Parafina”), ska com cobertura caramelada de rockabilly (“Bill on Monday”) e ska num ménage com a jovem guarda e o maracatu atômico (“Vem Você”). Destaque também para a contemplação poética presente em “Terceira Idade”. Já “Você Percebeu?” é a releitura de uma música dos Flaming Lips (“Do You Realize??”) com participações de Fabricio Nobre (MQN) e André Gonzales (Móveis Coloniais de Acaju, que também dá as caras em “Menina”). No fim, resta o rock turbinado e cantado em inglês “Keep Away”. Um álbum sem sombra de dúvidas revigorante e necessário.)

2º Lugar – Karina Buhr – Longe de Onde (A pernambucana Karina Buhr lançou um disco eclético que é a cara da personalidade feminina. A mesma Karina que rejeita em “Não Me Ame Tanto”, se mostra receptiva em “Pra Ser Romântica” e “Amor Brando”; já passionalidade é o tema de “Copo de Veneno”. Karina é a própria solidão em “Sem Fazer Ideia”, e em “Não Precisa me Procurar” ela se vê imbuída de coragem e pronta para recomeçar sua vida sem o escroque que a feriu. Longe de querer seguir os passos de Elis Regina, Cássia Eller ou Marisa Monte, Karina Buhr se espelha na mulher comum, da rua. Ela tanto é a ascensorista quanto a cabeleireira; tanto a executiva, quanto a hostess. Parte manicure, parte lavandeira. Cantora que se revela uma verdadeira mutante, Karina Buhr não é apenas roqueira na morfologia feminina da palavra, antes sim, vive como fêmea de palavras irreverentes e criadora de rock.)

1º Lugar – Cícero – Canções de Apartamento (2011 revelou um nome em quem devemos ficar atentos pelos próximos anos: Cícero Lins. O cantor usou da simplicidade para construir um álbum de temática urbana. Canções de Apartamento surge MPBístico por excelência. “Ensaio Sobre Ela” tem a bossa preguiçosa de João Gilberto, deitada numa cama de Coldplay da fase Parachutes. A sensibilidade “hermânica” de Marcelo Camelo vem sorrateira em “Açúcar ou Adoçante”, e há ainda a celebração a Chico Buarque em “João e o Pé de Feijão” e “Pelo Interfone”. O velho Rio de Janeiro, boêmio e carnavalesco de rua, dança alegre em “Tempo de Pipa”, e curte a ressaca em “Laiá Laiá”. A música de Cícero, de nome único, escrito como o nome dos filósofos e trovadores, vem injetar fôlego novo na música brasileira. Ouça “Ponto Cego” e sinta o sangue gelar aos poucos, enquanto a alma flutua. Ascender ao Paraíso deve proporcionar uma sensação como essa.)

Melhor Capa de 2011: Canções de Apartamento (Cícero)

2011-12-11T23:27:00.001-03:00

Com uma idéia simples (cinco pequenas prateleiras numa parede, repletas de coisas), o carioca Cícero fez com que sua estréia resgatasse uma tradição dos discos de vinil que acabou se perdendo depois do advento dos CD’s: a busca por easter eggs (pequenos referenciais de informação escondidos entre os livros, discos e objetos que aparecem na capa).

Melhor DVD de Rock de 2011: Live at the Paramount (Nirvana)

2011-12-11T23:21:00.006-03:00

Lançado em meio às comemorações dos vinte anos do movimento grunge, Live at the Paramount foi gravado numa noite das bruxas (31 de outubro de 1991) como parte da campanha de divulgação de Nevermind, que havia sido lançado um mês antes.

Bipolar que era, Kurt Cobain estava num momento “alegre” naquela noite. Tanto que, igual a menino travesso, resolveu aprontar com a equipe que filmava o show. Chamou um casal de amigos freak e os pediu para subirem ao palco e dançarem em todas as músicas. Disse também aos dois que, de preferência, passassem sempre que possível na frente de alguma câmera.

Para nossa sorte, que agora podemos curtir esse maravilhoso registro da banda mais importante do rock alternativo a ter surgido nos últimos anos, o cara que vestia uma camiseta com os dizeres “Girl” e a menina que usava outra onde se lia “Boy” se concentraram mais em curtir o som do que em cumprir a ordem do levado Cobain.

Mico de 2011: A cantora de axé Claudia Leitte batendo boca com os roqueiros

2011-12-11T23:17:00.003-03:00

"Ok. Não gostar de Axé é normal! Anormal é achar-se superior porque conhece John Coltrane ou porque adora o Metallica. Procurem no Google sobre a história de um ariano que se achava superior aos judeus…" (Claudia Leitte)

A cantora baiana que dorme sonhando em ser a Madonna e acorda frustrada por ser uma sub-imitação da Keisha, jogou o acarajé no ventilador por ter sido vaiada durante sua apresentação no Rock in Rio 2011. Sobrou pro público do Metallica e para os admiradores do jazzista John Coltrane, que por motivos óbvios (faleceu em 1967) nem estava lá.

Foi uma semana inteira com a dublê de artista soltando verdadeiras pérolas na web (“Levar meu filho à escola tornou-se um evento.” – disse em seu blog). Pra quem acha que 2011 foi pouco pra Claudia Leitte, a cantora ainda lançou o vídeo de “Samba”, música sua que conta com a participação do ex-Menudo Ricky Martin. A letra risível e o clipe estranho, onde aparece recebendo amassos de um cantor assumidamente gay, não poderia ter sido mais... digamos... Claudia Leitte.

Melhor Show Internacional de 2011: Eric Clapton (HSBC Arena-RJ) e The Strokes (Festival Planeta Terra)

2011-12-11T23:07:00.002-03:00

Esse foi o ano de Rock in Rio, SWU, da volta de Paul McCartney ao Brasil e dos shows do U2. Mas ninguém conseguiu superar o deus da guitarra Eric Clapton e nem o grupo formado por Julian Casablancas, Nick Valensi, Albert Hammond Junior, Nikolai Fraiture e Fabrizio Moretti.

God Clapton desceu entre os mortais brasileiros no dia 10 de outubro, e fez um show perfeito. Como mesmo disse um colega do portal iG: “Nada de pirotecnia, de telões gigantes, bonecos infláveis, playbacks, bandeira do Brasil, camisa do Flamengo ou frases em português sofrível; sem dançarinas seminuas e coreografias de pole dance ou trocas de figurinos e de guitarras. Pois é, o público teve que se contentar só com música mesmo, quem diria. E gostou”.

Foi um show onde Clapton passeou por seus maiores sucessos. Do Cream rolaram “Badge” e “Crossroads”; de Derek and The Dominos vieram “Layla” e mais duas. Ainda teve “I Shot the Sheriff”, “Wonderful Tonight”, “Cocaine” e muito blues. Foi uma experiência sobrenatural. Nada mais do que se poderia esperar de um deus.

Já os Strokes fizeram justamente o contrário, ou seja, jogaram pra galera. Corria a madrugada do dia 6 de novembro quando a banda subiu ao palco principal do festival Planeta Terra, realizado no Playcenter, na capital paulista.

Sem entrar demais no repertório do seu último disco, Angles, os nova-iorquinos fizeram um show de hits e para fãs.

Sim, também teve Nick Valensi com o pé machucado, Julian Casablancas esquecendo letra de música, e celebração patriótica pela “brasilidade” do baterista Moretti, com direito à bandeira e tudo.

Nem mesmo a fria noite paulistana atrapalhou a vibração das milhares de pessoas que se espremiam na frente do palco. Aquecido principalmente pelas seis músicas extraídas de Is This It (2001), o público dificilmente se esquecerá daqueles momentos de pura celebração à diversão.

Melhor Show Nacional de 2011: Nação Zumbi (Festival Planeta Terra)

2011-12-11T22:55:00.003-03:00

Os pernambucanos não tiveram qualquer piedade de quem assistia ao seu show no Main Stage do Festival Planeta Terra, realizado no dia 5 de novembro.

Apesar do sol que castigava a platéia ali presente, a banda liderada pelo vocalista Jorge du Peixe e pelo guitarrista Lúcio Maia, despejou todo seu arsenal energético sobre o público, sem dó alguma.

Desde as canções mais obscuras como "Banditismo" e "Infeste", até verdadeiros hinos do mangue beat como "Manguetown", "Maracatu Atômico", "Quando a Maré Encher" e "Da Lama ao Caos".

Personalidade de 2011: Steve Jobs

2011-12-11T22:52:00.001-03:00

O que diferenciou o hippie Steve Jobs de outros hippies de sua geração foi que, enquanto esses queriam que seu utópico mundo colorido e psicodélico se tornasse realidade, e ficaram apenas no terreno dos sonhos, Jobs remodelou o mundo como o conhecemos de modo permitir a expansão de idéias e pensamentos.

Em 1972, então com 17 anos, Jobs conheceu Steve Wozniak. Com apenas 1.300 dólares, obtidos com a venda do carro de Jobs e de uma calculadora científica de Wozniak, fundaram em 1976 a Apple Inc. (o nome da empresa era uma óbvia homenagem aos ídolos de Jobs, os Beatles). A primeira “sede” da empresa era nada menos que a garagem da casa dos pais adotivos de Jobs.

Nos anos seguintes, revolução foi uma palavra que andou colada ao nome Steve Jobs, quase que como outro sobrenome, ou um título. Jobs e Wozniak Inauguraram a era dos computadores pessoais com o Apple II. Seguiram-se a isso o Macintosh; o Lisa (primeiro sistema operacional com interface gráfica, ou seja, ícones ao invés de letras, números e sinais alfanuméricos); o primeiro programa de editoração eletrônica, o Pagemaker; e a série “i” com iPod, iPhone e iPad, tecnologias que hoje fazem parte do seu cotidiano.

A sombra de Steve Jobs está até mesmo onde você menos desconfia. Sempre que você leva seu filho ao cinema, ou aluga um DVD de Toy Story, Procurando Nemo, Vida de Inseto, Wall-E e Monstros S.A. você deve isso a Steve Jobs e talvez nem perceba. Afinal, até 1986 a Pixar Animation se chamava Graphics Group e era uma mera subdivisão das empresas de George Lucas, responsável por parte dos efeitos especiais de seus filmes. Coube a Jobs comprar a empresa, dar-lhe um novo nome e investir no mundo das animações.

É certo que sem Jobs os computadores existiriam e a internet também; mas por causa dele, as tecnologias que temos hoje à palma de nossas mãos levariam algumas décadas a mais para chegarem até nós.

O homem que começou seu império com 1.300 dólares, morreu no dia 5 de outubro de 2011 (aos 56 anos de idade) vítima de um câncer no pâncreas. No dia de sua morte, sua empresa valia 342 bilhões de dólares. A empresa mais valiosa do mundo só poderia ter saído mesmo da mente mais visionária da era atual.

Personalidade de 2011: Amy Winehouse

2011-12-11T22:48:00.002-03:00

Nenhuma outra personalidade ligada à música esteve mais em evidência nesse ano de 2011. Infeliz e principalmente por uma razão que não queríamos: sua morte no dia 23 de julho.

Amy Winehouse lançou dois maravilhosos álbuns (Frank e Back to Black) enquanto esteve viva. Um póstumo chamado Lioness: Hidden Treasures, com sobras de estúdio, foi lançado em dezembro.

De personalidade frágil e voz poderosa e única, a cantora sempre esteve – pelos bons ou pelos maus motivos – na mira das câmeras e nas capas dos tablóides sensacionalistas.

Seu relacionamento conturbado com o problemático Blake Fielder-Civil, o uso abusivo de drogas e álcool, tombos no palco e nas ruas, agressão a jornalistas e fãs, foram alguns dos fatos que acabaram marcando Amy como uma personalidade que vivia sempre no limite.

A cantora parecia querer resistir, e mostrava-se entusiasmada com as músicas novas que estava gravando. A morte por abuso de álcool, não só a colocou dentro do sombrio Grupo dos 27, como pegou de surpresa os que apostavam numa overdose de drogas.

Na semana seguinte à sua morte, Back to Black, o autobiográfico segundo álbum de Amy Winehouse chegou ao primeiro posto da parada inglesa. Bom, isso já era esperado.

Retrô 2011

2011-12-10T23:49:00.006-03:00

Se alguém me pedir pra definir o que foi esse ano numa única frase, eu diria que 2011 foi o ano do quase.

Acompanhem meu raciocínio: foi em 2011 que tivemos a quase retomada da carreira de Amy Winehouse, abortada com a morte da cantora. Ainda sobre Amy, tivemos a sua quase morte por overdose. Não deu. Amy morreu mesmo de tanto beber etanol.

Outro “quase” registrado em 2011 foi o quase retorno dos Strokes ao trono do rock. Angles é um bom disco, mas não bom o suficiente para rebatizar a banda de Julian Casablancas e Cia. de “salvadores do rock”.

Tivemos ainda o Rock in Rio como o quase grande festival, aonde vimos Axl Rose transformar o que restava do nome de sua banda num quase lixo total.

Os irmãos Gallagher quase conseguiram fazer grandes discos em suas novas carreiras pós-Oasis. Sorry, boys, mas ainda não foi dessa vez.

O que dizer então do Radiohead, hein? Quase me enganaram com o single “Lotus Flower”, para depois soltar um disco meia boca que parece ter sido gravado somente por Thom Yorke e um Mac turbinado de sequenciadores de samplers e loops.

No cenário nacional, o vocalista da banda Restart, Pe Lanza, quase enganou a todos protagonizando altos amassos com a apresentadora (Sim, ligue o alarme “Quem?” na sua cabeça) Ellen Jabour, no festival SWU. Menos de um mês depois, Pe Lanza voltava à sua condição de... digamos... roqueiro colorido, e decretava “Ellen Jabour é passado!”. Pois é, quase enganou as almas otimistas.

O ano de 2011 também entrará pra história da MPB como o ano em que a cantora Maria Bethania quase meteu a mão em um milhão e trezentos mil reais do dinheiro púbico. A dinheirama seria usada pela “Abelha Rainha” num blog de poesias.

Conheço também gente que quase enlouqueceu com um dos maiores virais já vistos nesse início de década: a música “Oração”, do combo curitibano A Banda Mais Bonita da Cidade. A canção esteve onipresente em quase todas as redes sociais, na forma de um clipe xerocado de “Elephant Gun”, do Beirut. Durante cerca de duas semanas, foi só disso que se falou. Eu, por dizer que não tinha visto nada demais na música e no vídeo, quase fui linchado por alguns fanáticos.

Também em 2011, quase vimos a dupla Zezé di Camargo e Luciano acabar. Para nosso azar, e antes que cada um fosse achar seu lugar no rancho fundo bem pra lá do fim do mundo, o mala-mor dos domingos Fausto Silva tratou de pôr panos quentes no rebu. Sobrou mesmo pro Luciano que, acossado pelo pai em rede nacional, teve de engolir mais um ovo cru.

Para nossa total infelicidade não existe um Faustão nos EUA. Caso existisse, quem sabe não teria demovido o R.E.M. de sua decisão de encerrar a carreira.

Acima de tudo, às 23h59min da noite de 31 de dezembro, 2011 entregará a 2012 um enorme ponto de interrogação.

Afinal, 2012 será – segundo as profecias maias – o ano do fim do mundo, e se iniciará sem que tenhamos qualquer esperança de que Steve Jobs apareça com uma iArk para nos salvar.

É, senhoras e senhores, chegamos ao ponto onde Restart é chamado de rock; que Lady Gaga é convidada a ocupar o lugar do magnífico Freddie Mercury no Queen; que Axl Rose usa capa de chuva amarela e desafina até no assovio de “Patience”; e que os Los Hermanos meterão a mão no bolso de uma legião de deslumbrados, numa safada reunião caça-níqueis.

Pensando bem, os maias é que estão certos. O mundo já pode mesmo acabar, antes que piore mais ainda. Mas enquanto não acaba, que o rock ‘n’ roll saia da UTI e o sertanejo universitário aceite o conselho da maioria e vá mesmo fazer um estágio eterno em Nashville.

Que o bom velhinho de barba branca chamado Jerry Garcia te visite neste natal, levando muita sonzêra boa à sua casa. Feliz ano rock para todos.

Histórias do Rock: Shelagh Delaney - Uma das musas de Morrissey

2011-12-09T16:59:00.010-03:00

20 de novembro de 2011 marcou o passamento da dramaturga e roteirista inglesa Shelagh Delaney, uma das musas do líder dos Smiths, Stephen Morrissey.

Delaney nasceu em Salford, pertinho de Manchester, e aos 19 anos escreveu uma peça teatral que a faria famosa no mundo todo: A Taste of Honey.

A história, que hoje não chocaria tanto assim, foi considerada avançada demais para os padrões da época.

Sua protagonista era Josephine (ou simplesmente "Jo"), uma garota de 17 anos e sem maiores atributos de beleza que se envolve com um marinheiro negro chamado Jimmy, que a abandona grávida. Pra piorar as coisas, a mãe de Jo é uma alcoólatra que está entrando num relacionamento amoroso e passa atritar mais ainda com a filha.

A vida de Jo só não se torna um inferno completo por causa de Geoffrey, um estudante de estilismo, gay, que - sabedor da situação da jovem - torna-se seu amigo e a convida para morar com ele.

A peça passou para a telona em 1961, num filme dirigido por Tony Richardson (que dirigiria Hamlet, em 1969). A atriz Rita Tushingham, que interpretou Jo, ganhou o prêmio de melhor atriz no festival de Cannes de 1962. Murray Melvin, intérprete de Geoffrey, ficou com a estatueta de melhor ator.

Depois disso, Delaney faria outros importantes trabalhos que seriam adaptados para o cinema, como Charlie Bubbles (1967), Dance with a Stranger (1985) e Country Life (2004).

Morrissey disse em certa ocasião: "Eu nunca fiz segredo algum do fato de que, pelo menos 50 por cento da minha razão pra escrever pode ser atribuído à Shelag Delaney".

No último 20 de novembro, um câncer no seio tirou a vida de uma das musas de Morrissey, aos 72 anos. A jovem cujo olhar fixo e solitário ficou impresso nas capas de dois discos dos Smiths, a coletânea Londer Than Bombs e o compacto Girfriend in a Coma, agora descansa em paz.

Assista algumas imagens do filme A Taste of Honey (1961) com um clássico dos Smiths como fundo musical: "Hand in Glove".

Banda da Semana: New Order (Inglaterra)

2011-12-01T14:02:00.021-03:00

Normalmente eu uso esse espaço para falar de bandas da nova geração. Raras exceções foram feitas e, dentre essas, até agora, apenas para R.E.M. e Verve. Hoje é a vez da New Order se juntar a esse seleto grupo.

Acho que poucas são as pessoas que curtem música e não conhecem a história dessa magnífica banda inglesa. Como prova de respeito aos que ainda não conhecem, farei aqui um breve resumo da biografia desses verdadeiros ícones da música mundial.

Tudo começou no ano de 1976, na cidade industrial de Manchester, no Noroeste da Inglaterra, quando o guitarrista Bernard Sumner (na época Bernard Albrecht) e o baixista Peter Hook, após assistirem uma apresentação dos Sex Pistols resolveram montar uma banda punk. Chamaram um sujeito alto e magro que eles conheciam das farras, chamado Ian Curtis, para os vocais.

Depois de algumas mudanças de nome e de baterista, estabilizaram a formação com Stephen Morris na bateria e passaram a se chamar Joy Division.

Participaram de uma coletânea com outras bandas locais, gravaram um EP chamado An Ideal for Living (1978) e um álbum chamado Unknown Pleasures (1979). Em 1980 a banda já era uma realidade no Reino Unido e preparava-se para tomar de assalto a América. No entanto, na véspera do embarque para os EUA, o vocalista Ian Curtis se suicidou. Dois meses depois de sua morte foi lançado Closer. O álbum é discoteca básica para qualquer roqueiro que se preze e serviu de fôrma musical e intelectual para o pós-punk.

Depois da morte de seu líder e principal letrista a banda ficou perdida por um tempo. Fã de nomes da música eletrônica, como a banda alemã Kraftwerk e o produtor italiano Giorgio Moroder, o agora Bernard "Barney" Sumner resolveu propor aos seus colegas Morris e Hook que os três continuassem fazendo música juntos.

Passaram a se chamar New Order e convidaram a namorada de Morris, Gillian Gilbert para tocar teclados e sintetizadores na banda.

Demorou um pouco para que a New Order saísse da sombra da Joy Division. Seu primeiro single "Ceremony" era puro Joy Division. Movement (1981), o disco de estréia, seguia a mesma regra.

Em 1983 a banda lançou "Blue Monday" que veio a se tornar o compacto de 12" mais vendido de todos os tempos. Poderiam ter se tornado os roqueiros britânicos mais ricos de sua geração, mas a dispendiosa arte da capa, feita na forma de um encarte cartonado, e os investimentos da banda - juntamente com o amigo Tony Wilson - na construção da boate Hacienda, fizeram com que a New Order não tivesse lucro, mas prejuízo.

Seguiram-se Power, Corruption & Lies (1983), obra fundamental na formação do pop e do rock britânico da década de oitenta, e Low Life (1985). Do último saiu o hit "The Perfect Kiss", que tornou a New Order um fenômeno mundial.

A fama mundial da banda se firmou ainda mais em 1986 quando saiu o single "Bizarre Love Triangle", presente em Brotherhood, daquele mesmo ano. A turnê mundial de Brotherhood os trouxe pela primeira vez ao Brasil.

Somente em 1989 foi que eles voltaram, com Technique. Puxado pelo sucesso das músicas "Fine Time" e "Run", o álbum chegou ao 32º posto da parada americana e 1º da inglesa.

Depois de uma tumultuada turnê americana que, segundo as más línguas, foi regada com quantidades exorbitantes de álcool e polvilhadas cavalares de cocaína, os músicos entraram em recesso e se dedicaram a projetos individuais. Peter Hook montou o Revenge; Barney Sumner se juntou ao guitarrista Johnny Marr (ex-The Smiths) e ao cantor Neil Tennant (Pet Shop Boys), e juntos formaram o grupo Electronic, que emplacou alguns sucessos nas paradas.

Já o casal Stephen Morris e Gillian Gilbert gravou como The Other Two, que compôs o obscuro hit "Tasty Fish".

Reuniram-se brevemente em 1990 para criar "World in Motion". A canção foi o hino que embalou a boa campanha da seleção inglesa na copa da Itália. Mostraram-se extremamente pé-quentes, pois depois do único título conquistado por seu país, em 1966, a colocação na copa de 1990 foi a melhor que a Inglaterra conseguiu até hoje (4º lugar).

Republic marcou a volta da banda, em 1993. Desse álbum saíram mais dois grandes sucessos: "Regret" e "World (The Price of Love)".

Passados oito anos do lançamento de Republic, a banda retornou com Get Ready (2001). O disco tem como característica principal o reencontro da New Order com uma sonoridade mais suja, mais rock 'n' roll e com menos sintetizadores. Os maiores destaques foram as faixas "Crystal" e "Turn My Way" (com o líder dos Smashing Pumpkins, Billy Corgan, dividindo os vocais com Barney Sumner).

Algum tempo depois, a tecladista Gillian Gilbert anunciou que estava deixando a banda para cuidar das duas filhas que tem com o baterista Stephen Morris. Uma delas necessita de cuidados especiais, pois padece de uma doença neurológica.

Foi sem Gilbert, e com o guitarrista Phil Cunningham (ex-Marion) em seu lugar, que a banda voltou em 2005 com Waiting for the Siren's Call, álbum que graças ao single "Krafty" colocou a banda no 2º lugar da parada americana e em 8º na inglesa.

Durante uma entrevista em 2007, o baixista Peter Hook declarou que não estava mais na New Order.

Em setembro de 2011 a banda anunciou uma turnê mundial, depois de um hiato de cinco anos longe dos palcos. A formação - que inclusive passará pelo Brasil - terá Bernard Sumner (vocais e guitarra), Phil Cunningham (guitarra) e Stephen Morris (bateria), e mais duas novidades: a inclusão de Tom Chapman (baixo, no lugar de Peter Hook) e a volta da tecladista Gillian Gilbert.

A New Order entra na terceira década de atividades, trazendo como sua marca registrada a incessante busca pela melodia perfeita. Tal postura, facilmente percebida em sua música, lhe gabarita a ser uma das bandas mais populares e bem sucedidas da história. Isso, senhoras e senhores, é um grande feito quando pensamos que tudo começou com três rapazes e a namorada de um deles, deprimidos na mesa de um bar, mudos e perplexos com a perda de um amigo.

Assista ao vídeo de "Turn", faixa disponível apenas na coletânea Singles, de 2005. Depois, reflita consigo mesmo se existe outra banda capaz de tamanha carga melódica em suas composições.

Selvagens em dose dupla

2011-11-30T18:11:00.006-03:00

Para você de Fortaleza que quer sentir toda a energia que os Selvagens à Procura de Lei mostraram em São Paulo em novembro, e que conquistou - dentre outros - a admiração de Fabrizio Moretti (The Strokes), o próximo fim de semana trará a banda em dose dupla.

Os meninos se apresentarão na sexta-feira 02/12 no Órbita (Rua Dragão do Mar, 207), dentro do habitual Superdrive. Quem agitará a galera antes deles serão as bandas Levant e Jonnata Doll & Os Garotos Solventes. Os ingressos custarão R$ 15,00 (com 1kg de alimento) ou R$ 20,00 (sem o quilo de alimento).

A banda volta aos palcos no dia seguinte, quando tocará na inauguração do Mary Jane Club, que funcionará no mesmo local do The Pub, que fecha as portas. O preço do ingresso é R$ 15,00.

A abertura ficará por conta da banda Emphase, que prestará um tributo ao The Doors. A casa abrirá as portas por volta das 21 horas, e as primeiras 50 pessoas ganham uma consumação de R$ 20,00.

Assista aqui o novo vídeo do Bombay Bicycle Club

2011-11-30T09:21:00.006-03:00

O Bombay Bicycle Club acaba de lançar o vídeo do terceiro single extraído de A Different Kind of Fix. Trata-se de "Leave It", oitava faixa do álbum lançado em agosto desse ano. O single propriamente dito só será comercializado a partir de janeiro de 2012.

Trata-se de uma bela faixa, com a bateria marcada no aro durante as estrofes e uma guitarrinha que lembra bastante The Police. O baixo de Ed Nash, como sempre, é a espinha dorsal que dá movimento à banda.

Também merecem destaque o belo vocal de apoio da cantora Lucy Rose (uma espécie de membro semi-oficial), e a interpretação sem excessos, mas emocionante, de Jack Steadman.

Homenagem do Aeropsicodélico a George Harrison

2011-11-29T15:14:00.018-03:00

Ele não era o beatle mais bonito, mas também não era o mais feio. Não tinha a babyface e o sorriso conquistador de Paul; a aura inteligente e charmosa de John, ou o humor com feições exóticas de Ringo.

Apesar de sempre estar ali, ao lado dos outros três nas fotos, vídeos e entrevistas, o mundo parecia não dar muita bola para George Harrison. Talvez por isso ele tenha entrado para a história com o epíteto de "o beatle quieto".

Mas George, longe de ser inteiramente quieto, era o Beatle incomum. Diferente de seus colegas, filhos de lares desfeitos e que haviam sido criados por madrastas e padrastos, George nasceu e cresceu num lar convencional com pai, mãe e três irmãos.

Foi - ainda que involuntariamente - por causa dele que, em 1961 os Beatles tiveram de sair da Alemanha, onde se apresentavam havia cerca de um ano, e voltar para a Inglaterra. Uma denúncia anônima às autoridades alemãs informava que os Beatles tinham um menor de idade em sua formação. Era George.

Em outras palavras: não fosse por George Harrison talvez os Beatles tivessem ficado na Alemanha até que John, notadamente o mais cabeça-quente e briguento, morresse prematuramente em alguma confusão, uma vez que sua banda só se apresentava em inferninhos. Ou quem sabe, até que os integrantes se enchessem uns dos outros e mandassem tudo às favas. Afinal, foi logo após a volta pra Liverpool que a banda trocou Pete Best por Ringo Starr, começou a tocar no Cavern Club e foi apresentada ao empresário Brian Epstein. O resto da história o mundo todo já conhece.

A grande verdade sobre Harrison é que ele foi o grande responsável por manter o fluxo musical das composições dos Beatles. Lennon até poderia ser o cérebro triste e pessimista, responsável por dizer as mais amargas verdades nas músicas dos Beatles; McCartney seria seu contraponto, injetando floreados elaborados nas canções, em parceria com o produtor e arranjador George Martin. Já a Harrison caberia o papel de preencher as lacunas que seus dois colegas deixassem abertas.

O que Harrison fez com sua guitarra na primeira fase da banda foi algo fenomenal. Músico de extrema sensibilidade, ele não relegou a si mesmo o mero papel de copiador do rhythm and blues. Ao invés disso, impregnou o estilo americano com aquela face melódica que caracterizaria a guitarra inglesa pelas décadas seguintes, e sem a qual não haveria a british invasion, o jangle pop e o próprio britpop, dentre outras coisas.

Para que o leitor entenda aonde eu quero chegar, eu lhe sugiro que ouça "Anna (Go to Him)", música composta pelo cantor de soul Arthur Alexander na voz de seu criador (clique no link) e depois escute a versão dos quatro rapazes de Liverpool (clique no link). Repare como Harrison compensou com sua guitarra a riqueza do arranjo de piano e cordas originais, ao mesmo tempo em que, com o riff, simulou o peso da batida do coração deprimido do protagonista. Genial.

Uma coisa são os Beatles tocando "I Wanna Be Your Man" como uma espécie de country music desajeitada com aquela aura de deboche tipicamente inglesa. Outra bem diferente são os Rolling Stones tocando a mesma "I Wanna Be Your Man", na forma de um rhythm and blues tipicamente americano.

George criou um estilo com os Beatles, e todas as bandas britânicas que vieram depois deles tiveram de seguir o mesmo padrão estabelecido pelo guitarrista. Seu riff de "Day Tripper" está dentre os mais influentes do rock. "Taxman", outra de suas criações, foi copiada por uma porção de bandas, de The Jam ("Start!") a Ride ("Seagull"). Falando nisso, "Something" é uma das músicas mais coverizadas do planeta, já tendo sido cantada por ícones como Frank Sinatra, James Brown, Ray Charles e pelo ídolo maior de George: Elvis Presley.

É impossível ser guitarrista na Grã Bretanha sem ter, de certa forma, que pedir a benção a George Harrison.

Hoje em dia é fácil encontrar alguém que goste de música indiana ou oriental de uma forma geral, mas até meados dos anos sessenta a música do Oriente era desconhecida do grande público. Coube a Harrison a tarefa de introduzir a cítara indiana na cultura pop, quando o músico tocou o instrumento em "Norwegian Wood", faixa de Rubber Soul (1965). Seguiram-se "Tomorrow Never Knows" (de Revolver, 1966) e "Within You Without You" (de Sgt. Peppers, 1967).

Mesmo em faixas onde a cítara não aparecia, George Harrison, que era fã de meditação e cultura oriental e exotérica em geral, fazia questão de manter o clima zen. É o caso de "Baby, You're a Rich Man", presente em Magical Mystery Tour (1967).

George parecia sentir o mundo de uma forma só sua. Com ele bastava vir o sol para derreter o gelo e fazer com que tudo ficasse bem.

Uma hora dessas, George Harrison deve estar numa roda de amigos, sentado na Cloud 9, tocando sua cítara e batendo um papo com seu Sweet Lord.

Ele só se enganou ao dizer que todas as coisas que morriam, passavam. George Harrison, acredito eu, nunca irá passar.

Álbum da Semana: Singles (Suede)

2011-11-28T09:02:00.011-03:00

Tanto quanto a pontualidade e o chá das cinco, outra especialidade inglesa é o dandismo. O jeito elegante e afetado de se vestir, portar e falar, bem como de ignorar o que vem das classes mais baixas da sociedade em prol das coisas de gosto apurado, é uma das marcas registradas dos súditos da rainha.

Como fenômeno social o dandismo surgiu na virada do século XVIII para o XIX. Difundido principalmente através das artes, o fenômeno, por assim dizer, encontrou no célebre poeta Lord Byron o seu primeiro grande expoente. Acabou estendendo seus tentáculos pela vizinhança inglesa, cativando dentre outros o dramaturgo irlandês Oscar Wilde e o poeta e crítico francês Charles Baudelaire.

O dandismo foi incorporado no rock inglês a partir dos anos 60. Pode se dizer que os primeiros passos dessa tendência em direção às guitarras foi dado pelos Beatles, num primeiro momento com a sofisticação instrumental de "Eleanor Rigby" (em Revolver, de 1966), e depois na atmosfera vitoriana de Sgt. Peppers. Quem também flertou com o dandismo foi a banda The Kinks, em seu clássico álbum Are The Village Green Preservation Society (1968).

Depois destes, David Bowie, Bryan Ferry e Morrissey (fã declarado de Oscar Wilde) foram artistas que exploraram os trejeitos e atitudes do dandismo na década de oitenta. Nos anos noventa quem deitou e rolou com elegância e propriedade no dandismo foi a banda Suede.

A Suede foi formada em Londres, no ano de 1989. Justine Frischmann, vocalista e guitarrista da Elastica chegou a integrar a banda em seu início. Depois de um tempo a formação se estabilizou com Brett Anderson (vocais), Bernard Butler (guitarra), Mat Osman (baixo) e Simon Gilbert (bateria).

Em 1993, enquanto o grunge ainda reinava absoluto, o Blur ainda se debatia na onda shoegaze e o Oasis sequer havia aparecido para a Inglaterra, a Suede lançou seu primeiro álbum, o homônimo Suede.

Fortemente influenciado por Bowie e The Smiths, Suede é um disco praticamente perfeito, e seguramente cabe ser rotulado como obra-prima. Da música à polêmica capa, que mostra um casal se beijando, sem entregar o sexo de nenhum dos dois, esse é um dos álbuns fundamentais do britpop.

Dos quatro singles que dele foram retirados, temos "The Drowners", de refrão preguiçoso e guitarra cortante; a celebração aos Smiths de "Metal Mickey"; a deliciosa "Animal Nitrate" e a magnífica "So Young".

A presença de palco e vídeo do vocalista Brett Anderson chamou a atenção da mídia inglesa. Além de excelente cantor, Anderson era uma figura andrógina e elegante. Um verdadeiro dândi.

Depois da turnê desse álbum, o soberbo guitarrista Bernand Butler deixou de se entender com o restante da banda e abandonou o barco. Para o seu lugar foi convocado Richard Oakes. Durante a gravação do segundo disco a banda também incorporou o tecladista Neil Codling.

A entrada dos dois deu um upgrade na sonoridade da Suede, que pôde finalmente sonhar em ser grande. O resultado dessa nova orientação na banda foi seu segundo álbum, Dog Man Star (1994).

"We Are The Pigs" era um recado do tipo "não precisamos de você, Bernard Butler" em forma de música. Nem tanto pela letra, mas pela arrebatadora performance de Oakes.

A melancolia de "The Wild Ones" é de apertar o coração. Já "New Generation" é uma composição digna de David Bowie, com direito a uma cativante parte de metais.

Coming Up veio em 1996 e trouxe um Suede mais amadurecido, com a banda mais entrosada e com uma sonoridade que se distanciava quase que completamente daquela ouvida em sua estréia. Foi também com esse álbum que a banda alcançou o estrelato internacional e Brett Anderson se firmou como uma das vozes mais envolventes do britpop. Parte desse mérito se deve às excelentes "Trash", "Lazy" e "Beautiful Ones" (veja o vídeo clicando no link). Destaque ainda para a pesada "Filmstar".

A Suede esperaria a poeira da briga Blur X Oasis baixar e a imprensa britânica sepultar de vez o britpop para lançar o "eletrônico" Head Music.

Sabe aquele sabor de modernidade que o U2 não conseguiu com Pop? Pois é, a Suede conseguiu dois anos depois do lançamento do álbum dos irlandeses, com Head Music (1999).

HM é um álbum que possui uma textura musical apaixonante, e Brett Anderson e o restante da banda estão melhores do que nunca. "Can't Get Enough" consegue ser tudo aquilo que você deseja encontrar numa boate para se acabar de dançar. Não houvesse ressuscitado no novo testamento, Lázaro teria voltado do reino dos mortos com a guitarra de Richard Oakes em "Electricity". Se sobressaem ainda a beleza mediterrânea de "She's in Fashion" e a sobriedade de "Everything Will Flow" (veja o vídeo clicando no link).

Em 2002 a banda lançou seu último álbum chamado A New Morning, e conseguiu emplacar dois hits: "Positivity" e "Obsessions". No começo do ano seguinte saiu a coletânea Singles, com todas as canções comentadas aqui, e mais uma inédita chamada "Attitude".

No mês de setembro de 2003 tocaram durante cinco noites no Institute of Contemporary Arts, em Londres. Dedicaram uma noite para cada álbum da carreira, onde passaram a limpo o conteúdo inteiro dos cinco discos e mais algumas raridades.

Depois de um concerto no London Astoria, em 13 de dezembro de 2003, a banda encerrou oficialmente suas atividades. Os ex-integrantes iniciaram colaborações com outros nomes das cenas musicais inglesa e mundial, enquanto que o vocalista Brett Anderson surpreende a todos ao reatar a amizade com o ex-parceiro de banda Bernard Butler e formar o projeto The Tears.

A Suede conseguiu construir em dez anos um importante legado. É uma das raras bandas em que vale a pena se conhecer os álbuns completos, e não somente os singles. Ajudaram a sedimentar a elegância inglesa no imaginário coletivo e ainda foram pontas de lança do chamado movimento new glam, que trouxe à tona Pulp, The Auteurs, Marion e Menswear, entre outros.

Ano passado a banda retornou (sem Butler) para uma série de shows em casas inglesas e festivais. Os fãs aguardam ansiosamente por um novo álbum de inéditas. Eu me incluo entre eles.

Como uma música apenas da Suede não basta, deixo com vocês cinco momentos dessa banda espetacular. Do primeiro disco eu destaco a afetação de Brett Anderson na fabulosa "Animal Nitrate"; de Dog Man Star, o segundo álbum dos caras, eu indico a perfeição pop de "New Generation" (tente não se emocionar com o refrão dessa música. Duvido muito que consiga). "Lazy" é a faixa de Coming Up (3º disco) que você verá aqui. Já Head Music vem com a pegajosa "Can't Get Enough". Por último teremos "Obsessions", faixa retirada do último álbum, A New Morning.

Suede é para quem gosta de: David Bowie, The Smiths, Roxy Music, britpop e música de qualidade, em geral.

God Save Bretanha: The Early Years (Inglaterra)

2011-11-27T23:46:00.006-03:00

Formada em Londres no ano de 2004, a The Early Years é uma formação que reedita as sonoridades psicodélicas da década de sessenta, e neo-psicodélicas da década de oitenta.

A banda composta por David Malkinson (vocais e guitarra), Roger Mackin (guitarra), Brendan Kersey (baixo) e Phil Raines (bateria) lançou em 2006 os EP's All Ones and Zeros e So Far Gone, e nesse mesmo ano o álbum The Early Years - Debut Album. Em 2007 saiu outro EP chamado The Great Awakening.

Sua sonoridade densa, que une psicodelia, space rock, free jazz e experimentações eletrônicas chamou a atenção de duas feras: Brian Eno, ex-Roxy Music e produtor de sucesso (de U2 e Coldplay, entre outros), e Damo Suzuki, ex-vocalista da banda experimental alemã setentista Can.

O vocalista da The Horrors, Faris Badwan, foi outro que se declarou fã da The Early Years e disse que Primary Colours, o álbum de 2009 de sua banda, foi influenciado por "The Early Years, krautrock e Spacemen 3".

Ficaram parados por três anos, mas voltaram no começo de novembro num show realizado em Londres, e lançaram dois singles de edição limitada chamados "Complicity" e "Fallen Star".

O som da The Early Years lembra em alguns momentos o saudoso The Verve, como na longa viagem de "The Simple Solution" (veja clicando no link), e em outros o Echo and The Bunnymen.

Esse é o caso de "All Ones and Zeros", que você confere aqui no Aeropsicodélico. Ouça The Early Years e faça uma boa viagem (com ou sem outras conotações).

The Early Years é para quem gosta de: Can, Neu!, Echo and The Bunnymen e The Verve.

Homenagem do Aeropsicodélico a Eric Carr

2011-11-24T14:17:00.015-03:00

Bem, molecada... estamos completando hoje vinte anos do desencarnar do eterno Freddie Mercury. Mas o que só mesmo os aficionados por rock e biografias de roqueiros sabem, é que hoje fazem vinte anos também que o baterista Eric Carr deixou nossa dimensão para se encontrar com seu grande ídolo John Bonham, do Led Zeppelin, num outro plano.

Eric Carr, que na verdade se chamava Paul Charles Caravello, nasceu em Nova Iorque em 12 de julho de 1950.

Ainda conhecido como Paul Caravello, o músico tocou numa porção de bandas desconhecidas até que em 1980 surgiu a oportunidade de uma audição no KISS. Os testes buscavam um substituto para o baterista original Peter Criss, que deixara a banda naquele ano. O KISS - que não queria mesmo um nome badalado para ocupar o posto - aprovou Caravello.

Adotou então o nome Eric Carr. Sua intenção era usar um apelido que fosse sonoro e que possuísse as letras finais "dobradas", como seu antecessor (Criss) e seu ídolo Ringo Starr.

No entanto, foi o baixista e vocalista Gene Simmons quem desenvolveu o conceito da maquiagem que Carr usaria na banda, tornando-o "The Fox", ou seja, A Raposa.

Seu primeiro trabalho com o KISS foi o complicado Music from "The Elder", onde a banda tentando soar mais "séria", acabou errando a mão e perdeu alguns fãs. Seguiram-se ainda Creatures of the Night (1982) e os álbuns da fase cara-limpa do KISS, Lick It Up (1983), Animalize (1985), Crazy Nights (1987) e Hot in the Shade (1989).

Em 1991, enquanto gravava Revenge com a banda, Eric Carr passou mal e foi submetido a uma bateria de exames. Foi diagnosticado um tipo raro e agressivo de câncer em seu coração. O músico passou por um tratamento e, pensando estar recuperado, falou em voltar às gravações com o KISS.

Chegou ainda a tocar com a banda no MTV Music Video Awards, em setembro de 1991. Foi sua última apresentação. Em novembro o câncer voltou ainda mais agressivo e o estado de saúde do baterista só se agravou. A doença chegou ao cérebro de Eric, que morreu no dia 24 de novembro de 1991 vítima de uma hemorragia cerebral. Tinha 41 anos de idade.

Revenge foi lançado em maio do ano seguinte, com Eric Singer nas baquetas. Numa justa homenagem, a banda manteve os vocais de apoio de seu antigo companheiro na música "God Gave Rock 'N' Roll to You II" e uma faixa instrumental chamada "Carr Jam 1981", composta e executada pelo próprio Eric Carr.

Eric Carr era um excelente músico e um virtuose como poucos. Infelizmente, esteve no KISS na pior fase da banda, quando os líderes Gene Simmons e Paul Stanley alinharam seus interesses ao apelo fácil do hard rock farofa da década de oitenta. Ainda assim, a reputação de Carr permanece intacta entre bateristas do mundo todo e em boa parte do exército de fãs do KISS, o KISS Army.

Caso você não conheça ainda o trabalho desse grande baterista, o Aeropsicodélico lhe sugere ouvir o epitáfio de Eric Carr no KISS, a faixa "Carr Jam 1981" (presente em Revenge), onde o músico dá uma pequena demonstração do seu talento. Se sua vontade é vê-lo em ação, então assista ao clipe de "Forever", faixa presente em Hot in the Shade. Quer saber? Eric Carr faz valer as duas.

Rock Brasilis: Wry (Sorocaba, SP)

2011-11-23T17:44:00.017-03:00

Uma das razões pelas quais o rock brasileiro sempre está por baixo, se comparado principalmente a países como a Suécia, por exemplo, é que a mídia daqui não apoia os novos nomes que surgem na cena independente.

Por conta disso o cenário musical não se renova, e dinossauros que já perderam a relevância há muito tempo como Titãs e Ultraje a Rigor continuam por aí, travando o rock nacional com coisas datadas como "Sonífera Ilha" e "Marylou".

A outra é a de que o rock em inglês ainda é um tabu por aqui. A Suécia, que é menor que muitos estados brasileiros, respeita de igual modo em sua cultura tanto os artistas que produzem música em seu idioma pátrio, quanto aqueles que se utilizam do inglês para passarem adiante sua mensagem. Talvez por isso você conheça ABBA, Roxette, The Cardigans, Peter Bjorn & John, The Wannadies, The Hives, Jens Lekman, Those Dancing Days, The Concretes, I'm From Barcelona, Molotov Jive e Hellacopters. A pergunta é: você conhece a banda brasileira Wry?

Surgida na cena independente brasileira em 1994, na cidade de Sorocaba, a Wry começou a ganhar nome depois de participar do influente festival Juntatribo, naquele mesmo ano. A Wry era influenciada por nomes do rock inglês dos anos oitenta como Echo and The Bunnymen e Teardrop Explodes, bem como por figurinhas carimbadas da cena indie britânica do começo da década de noventa como Ride, The House of Love e Spacemen 3.

Começaram como toda banda independente naqueles árduos tempos em que não havia Facebook, Myspace ou Trama Virtual, ou seja, na base da campanha boca-a-boca e vendendo as famigeradas fitinhas demo. No caso deles, uma tape de 11 músicas chamada Morangoland (1995). A formação da banda era Mário Bross (vocais e guitarra), Lu Marcelo (guitarra), Luís "Chokito" Costa (baixo) e Renato Bizar (bateria).

Com uma demo-tape na bagagem a banda caiu na estrada e apenas três anos depois lançou seu primeiro CD, chamado Direct (1998). Com repertório quase que exclusivamente em inglês, a Wry ia na contramão do rock independente nacional daqueles tempos, que já acenava uma volta ao idioma de Luís de Camões. A banda manteve-se fiel ao guitar rock influenciado pelas bandas americanas e inglesas, do mesmo modo que - antes deles - Pin Ups, Killing Chainsaw e Pelvs.

Por essa época também tiveram seu primeiro hit, a faixa "Redshoes". A Wry seguia sua trajetória de vento em popa dentro do rock independente brasileiro, tendo inclusive feito a abertura de shows de celebradas bandas alternativas como Make Up e Superchunk.

Heart-Experience, o segundo disco, chega em 2001 e os rapazes excursionam por várias cidades brasileiras. Ainda nesse ano, com a moral alta, a Wry organiza seu próprio festival, o Circadélica. Dentre as bandas que participaram do evento, estavam Walverdes, Pelvs, MQN e Maybees (futura Ludov). Depois disso, cansada do descaso das gravadoras brasileiras com as bandas independentes, a Wry chegou à conclusão de que precisaria deixar seu país se quisesse crescer. Partem então pra Londres, onde se estabeleceriam pelos próximos anos.

Voltam ao Brasil para uma turnê, com Heart-Experience recém-lançado pela Monstro Discos, de propriedade de Fabricio Nobre (MQN).

No retorno à capital inglesa tocam com artistas que despontavam na cena de lá como The Cribs e The Rakes. A mídia britânica começa a olhar com mais atenção para aqueles quatro garotos brasileiros. Da noite para o dia a banda recebe convites (isso mesmo, eles é que foram convidados) para trabalhos com Tim Wheeler (guitarrista e vocalista da banda irlandesa Ash) e Gordon Raphael, que havia produzido nada mais nada menos que Is This It, dos Strokes.

A banda resolve receber a ajuda dos dois na produção de seu novo álbum. O resultado dessa parceria é Flames in the Head, lançado em 2006. Depois de uma nova turnê pelo Brasil, o baterista Renato Bizar sai da banda. Em seu lugar entra André Barbosa, e lançam mais dois álbuns: Whales and Sharks (EP, 2007) e She Science (2009).

Em 2010, após 16 anos de militância no cenário independente a Wry resolveu encerrar suas atividades. Numa nota distribuída à imprensa seus integrantes alegaram que o lado financeiro falou mais alto, pois os custos para se manterem fora do Brasil estavam gerando um déficit nas contas da banda. A banda voltou para Sorocaba onde passou a se dedicar integralmente ao bar que haviam montado na cidade, o Asteroid.

A Wry foi uma banda que teve uma trajetória memorável dentro do rock independente nacional, mas conseguiu tudo isso às custas do próprio suor e esforço de seus integrantes.

A banda, infelizmente, jamais teve na mídia brasileira oficial a exposição que tanto fez por merecer. Nunca figurou num Faustão da vida ou teve clipe exibido no Fantástico.

Um exemplo emblemático do quanto se valoriza o ruim no Brasil, e se despreza a arte feita com dedicação e honestidade: enquanto a Wry excursionava pelo Nordeste brasileiro, lá pelos idos de 2000, com seus integrantes se apertando dentro de um Corsa, o apresentador Gugu Liberato abria espaço em seu programa para o pagodeiro Belo divulgar seu primeiro álbum-solo.

Se você ainda não conhecia a Wry (ou se conhecia e quer matar as saudades), fique com a performance dos sorocabanos em "Sister". Bom entretenimento.

Made In USA: Monsters Are Waiting (Los Angeles, CA)

2011-11-22T11:54:00.006-03:00

Apesar de nascida em Los Angeles, a Monsters Are Waiting não fala de dias ensolarados, biquinis e garotas peitudas em suas letras, mas sim de corações partidos, monstros e outras "amenidades".

Formada por Annalee Fery (vocais e teclados), Jonathan Siebels (guitarra e baixo - ex-Eve 6), Andrew Clark (baixo e guitarra) e Eric Gardner (bateria), a banda já lançou dois EP's (Monsters Are Waiting e Ones and Zeros) em 2005 e 2008, respectivamente. Em 2006 foi lançado Fascination, seu primeiro e único full-album até esse momento.

O som da banda pode até não ser original, o que não quer dizer nada nos dias de hoje em que tudo é reciclado ou copiado à exaustão, e apesar da temática obscura de algumas letras é bastante agradável de se ouvir. Isso se deve principalmente ao belo acabamento que a Monsters Are Waiting dá, principalmente às guitarras e aos teclados. Fãs de Snow Patrol ou Metric deverão abrir um sorriso ao ouvirem "Ones and Zeros" (veja o vídeo clicando aqui).

A dica do Aeropsicodélico é o clipe de "Nobody". Veja como letargia e boas guitarras, juntas, podem fazer uma música funcionar.

Monsters Are Waiting é para quem gosta de: Metric, Minipop, Loquat, Longwave e Snow Patrol.

Histórias do Rock: O olho por trás da capa

2011-11-18T12:29:00.013-03:00

A clássica foto e sua autora, a inglesa Pennie Smith

Você pode até não dar nada pela tiazinha na foto acima. No entanto, fique sabendo que ela - ainda em plena atividade - é a responsável pela antológica imagem que estampa a capa de London Calling, o clássico álbum de 1979 da banda punk inglesa The Clash.

Além destes, a fotógrafa Pennie Smith clicou praticamente todos os grandes ícones do rock que surgiram do começo da década de setenta para cá. Uma rápida pesquisa pela web fará o leitor se deparar com trabalhos que Smith fez com The Who, Rolling Stones, Iggy Pop, The Jam, Joy Division, Siouxsie Sioux, The Smiths (e Morrissey em carreira solo), U2, Primal Scream, Stone Roses, Blur, Radiohead, Oasis e The Strokes. Até mesmo artistas não ligados diretamente ao rock, como o soulman Sam Cooke e a cantora pop Lily Allen, já foram capturados pelas lentes da inglesa.

Pennie Smith nasceu em Londres, em 1949. Curiosamente, a jovem recém saída da Twickenham Art School no fim da década de sessenta, de início não se interessava por fotografia e nem por rock. Chamada para trabalhar de graça numa publicação alternativa chamada Frendz, Smith caiu nas graças do jornalista Nick Kent que a convidou a trabalhar no New Musical Express. Foi trabalhando para o NME que uma jovem Pennie Smith caiu na estrada em 1973 (aos 24 anos) para cobrir a turnê de uma certa "bandinha" chamada Led Zeppelin.

Em 1979 o The Clash parte da Inglaterra para os EUA para realizar sua segunda excursão pela América naquele ano. Levaram junto a fotógrafa Pennie Smith e o designer, e amigo pessoal da moça, Ray Lowry. Aos dois, a banda incumbiu a missão de registrar o máximo das apresentações, pois desse material deveria sair a arte do próximo disco do The Clash.

No dia 21 de setembro os ingleses faziam uma apresentação no Palladium Theater, em Nova Iorque, quando a fotógrafa percebeu que o baixista Paul Simonon começara a se estressar com seu instrumento. Rapidamente, Pennie Smith se posicionou de modo que pudesse captar todos os movimentos do músico.

Cansado do insucesso dos ajustes no amplificador e no cabo, Paul Simonon ergueu seu baixo Fender Precision acima da cabeça. Pennie Smith percebeu que aquele era o momento e - enquanto o instrumento percorria sua parábola em direção ao chão - guardou para a história aquela que se tornaria uma das mais célebres imagens, não só do punk, mas do rock em termos gerais.

Quando revelou a fotografia, perfeccionista que era, Pennie Smith não quis mostrá-la à banda. O instantâneo fora de foco a incomodou bastante e só foi aprovado para ser a capa de London Calling por vontade e insistência do vocalista Joe Strummer.

Uma vez aprovada pelos músicos, a fotografia caiu nas mãos de Ray Lowry, que resolveu copiar as mesmas tipografia e cores usadas na capa do disco de estréia de Elvis Presley, de 1956. A ideia era simples e sinalizava que o The Clash queria levar o rock de volta ao mesmo patamar de fúria adolescente, musicalidade básica e dançante, e de revolta contra o establishment que o estilo promovera nos seus anos dourados.

London Calling se tornaria, não somente o responsável por escrever o nome de Pennie Smith na história, mas acabaria, em razão de sua variedade de influências musicais que iam do jazz ao rockabilly, sendo ao mesmo tempo a lápide do punk de três acordes e o berço definitivo da new wave. Apesar de duplo, foi vendido como LP simples e chegou ao 27º posto da parada britânica em 1980. Nos EUA alcançou a 9º posição.

Pennie Smith, como dito antes, continuou fotografando roqueiros mundo afora. Em 2002 a revista britânica Q Magazine elegeu a capa de London Calling como "A Maior Fotografia de Rock 'n' Roll de Todos os Tempos". Por pura sacanagem do destino, 2002 foi o mesmo ano da morte de Joe Strummer, vítima de um ataque cardíaco.

Ano passado, algumas fotos de Smith (incluindo a capa de London Calling, claro) fizeram parte da exposição Who Shot Rock & Roll, em que seu trabalho figurou lado a lado com o de outros bambas da fotografia roqueira como Bob Gruen, Lynn Goldsmith, Linda McCartney e Annie Leibovitz.

O baixo, como esperado, ficou em pedaços. Hoje se encontra exposto no Rock and Roll Hall of Fame and Museum, em Cleveland, no estado americano de Ohio. (veja foto)

Até hoje o baixista Paul Simonon lamenta ter destruído o instrumento: "Devia ter usado um baixo reserva. O que destruí era muito bom." - disse anos depois.

Banda da Semana: Wild Flag (EUA)

2011-11-10T11:33:00.007-03:00

Há cerca de cinco anos a Sleater-Kinney acabou e deixou milhares de órfãos pelo mundo. No entanto, a banda de rock alternativo que empunhou a bandeira do movimento Riot Grrrl ao lado da Bikini Kill, deu ano passado uma interessante cria.

Chama-se Wild Flag a banda formada por duas ex-Sleater-Kinney, a guitarrista e vocalista Carrie Brownstein e a baterista Janet Weiss. As duas, mais a guitarrista e vocalista Mary Timony (ex-Autoclave e ex-Helium) e a tecladista Rebecca Cole (que foi baterista da The Minders entre 1996 e 2008) se uniram ano passado para tirar um som juntas, e não pararam mais.

Em 2011 saiu o homônimo álbum de estréia da banda, e logo na sequência as meninas engataram uma turnê com a Bright Eyes.

O som tem aquela pegada retrô de guitarra que põe num mesmo prato Suzi Quatro, The Runaways e até pedaços de Lou Reed, ou seja, só coisa boa.

Mate um pouco das saudades da Sleater-Kinney com a Wild Flag, nova banda de Carrie Brownstein e Janet Weiss, em "Electric Band".

Wild Flag é pra quem gosta de: Sleater-Kinney, Quasi, Stephen Malkmus and The Jicks, The Runaways e Suzi Quatro.

Aeropsicodélico no Planeta Terra

2011-11-08T10:37:00.020-03:00

O "cara do escafandro" marcou a apresentação da SAPDL. Era apenas o começo do festival

Bem, amigos do Aeropsicodélico, não foi nada fácil chegar ao festival Planeta Terra 2011. Do momento em que os ingressos foram postos à venda (na madrugada do dia 08 de junho) até o início das apresentações, foram várias as horas de ansiedade e de cansaço nas conexões pelos aeroportos do Brasil. Mas valeu a pena.

As mais de onze horas de música do Planeta Terra 2011 dificilmente serão esquecidas por quem esteve lá. Diferente da edição passada quando o Pavement reinou absoluto, Phoenix confirmou seu status de "banda queridinha indie" e os Smashing Pumpkins se mostraram extremamente brochantes, as bandas desse ano fizeram do festival uma atração interessante para todos os gostos.

Sim, é claro que os Strokes eram a bola da vez e, a julgar pela animação do enorme público diante do Main Stage durante a apresentação dos nova-iorquinos, fizeram também o show mais divertido do festival. Mas houveram outros momentos tão ou mais interessantes quanto esse para recordar. Momentos de um festival que - pelo menos até o SWU - foi o melhor realizado em terras brazucas em 2011. A seguir, o que o Aeropsicodélico viu por lá:

A divulgação do festival e a chegada ao Playcenter

A organização do Planeta Terra está de parabéns. A divulgação foi tão boa que praticamente todo mundo sabia te informar sobre como chegar ao parque de diversões onde o evento se realizaria. No guia da Folha de São Paulo haviam informações precisas sobre a disponibilidade e horários dos transportes para o Playcenter (metrô, ônibus, táxi e vans) e, para quem fosse em veículo próprio, onde achar um estacionamento. Havia ainda a antecipação dos preços de água, lanches e cerveja que seriam cobrados no local.

A organização dentro do Playcenter

Na entrada do evento todos passaram pela revista de praxe. O que não impediu que, mesmo que fosse vedado ao público o acesso com canetas, por exemplo, para evitar que ilícitos (drogas) chegassem ao interior do parque, muita gente tenha entrado no festival portando maconha. "Como?" - perguntou minha esposa. A resposta é simples: ninguém lhe manda tirar os sapatos nas revistas desses eventos; e as populares "apalpadas" se restringem a torso, bolsos e pernas. Os seguranças não apalpam a pélvis de ninguém.

Esse foi, a meu ver, o maior problema do Planeta Terra, pois várias pessoas como eu e minha esposa, que não curtem o aroma da marijuana, foram obrigadas a aguentar os folgados que achavam que queríamos ser maconheiros passivos e ficavam borrifando aquele troço fedido na cara dos outros.

Fora isso não haviam os assustadores banheiros químicos. Os banheiros eram limpos, com boa acessibilidade aos deficientes e estavam por praticamente todo o parque. Em alguns deles havia até "manobrista", que era um funcionário ou funcionária que controlava a entrada das pessoas para evitar a ação dos célebres furões de fila, e indicar ao usuário aonde havia desocupado uma "vaga".

Quem queria aproveitar o intervalo entre os shows para descansar podia se deitar num dos puffs do espaço louge. Já quem não queria desperdiçar energia, a boa era encarar os brinquedos do parque.

Os bares, que aceitavam dinheiro e débito no cartão, estavam por todos os lados. Quem tivesse grana no bolso e não quisesse se deslocar até um bar para comprar cerveja poderia contar ainda com os "bares ambulantes" (rapazes que andavam com um isopor preso numa mochila, cheio de gelo e cerveja).

Os shows conferidos pelo Aeropsicodélico

Infelizmente não deu para ir em todos os shows, que aconteciam simultaneamente em dois palcos chamados Indie Stage e Main Stage. Ambos ficavam em lados opostos do parque e careciam de paciência no deslocamento devido ao número de pessoas no trajeto. Dos que vi, estão abaixo expostas as minhas impressões.

Selvagens à Procura de Lei

Enquanto Criolo, o rapper sensação do momento recebia o público no Main Stage, os cearenses da Selvagens à Procura de Lei animavam com seu guitar rock aditivado as poucas almas que pararam para vê-los no Indie Stage. "Esse sol aqui é porque tem cearense no palco!" - mandou o vocalista e guitarrista Gabriel Aragão, se referindo ao surgimento do astro-rei em Sampa depois de dias de céu nublado. A banda, que tocou para uma platéia pequena mas empolgada, na qual se incluía uma caravana de Fortaleza formada por parentes e amigos, fez praticamente um pocket show. Foram apenas oito músicas, mas todas com um poder de fogo muito bom. A apresentação foi aberta com o riff nervoso de "O Que Quer Que Aconteça Aos Meus Amigos Libertinos" e contou com outros baluartes da banda como "Doce/Amargo" e "Reis de São Paulo". Esta última, por sinal, proporcionou um momento curioso quando um casalzinho (provavelmente de São Paulo, devido ao forte sotaque paulistano) comentou "Nossa, que legal! Eles conhecem São Paulo".

Outro destaque foi a participação do "cara do escafandro", um personagem que já é um verdadeiro símbolo da banda e está para os Selvagens como o tenebroso Eddie está para o Iron Maiden ou a boneca Rosie para o AC/DC. O figura, que entrou em cena em "Mucambo Cafundó" conseguiu animar ainda mais o público e voltou em outros momentos.

Em resposta ao site de uma publicação nacional de renome, que andou dizendo que a banda (palavras deles) "não empolgou a plateia", deixo o comentário de Nathalia Birkholz, que assistiu o show da Selvagens: "Falar que não empolgou a plateia é sacanagem. Nunca vi público pedir bis pra banda de abertura. E rolou o bis depois de 'Reis de São Paulo'!" - disse, se referindo a "Adeus é Tudo que Eu Preciso Ouvir de Você". Sem mais, Meritíssimo.

The Name

Depois da Selvagens foi a vez da banda sorocabana The Name subir ao palco Indie Stage. O grupo, acostumado a festivais desse porte (já tocaram no conhecido South by Southwest, nos EUA) fez um set redondinho onde desfilou seu rock dançante fortemente influenciado por The Rapture. Um repertório de boas músicas como "Can You Dance, Boy?" e "Time For Fun", as letras num inglês bem pronunciado e a ótima interação entre os músicos fizeram a cabeça dos hispters de plantão. Ainda rolaram duas inéditas que deverão fazer parte do próximo álbum da banda ("Blueberry Kiss" e "It's Up to Us").

Nação Zumbi

Os pernambucanos fizeram o que deles se esperava, ou seja, um show energético e com interação por parte da platéia. O vocalista Jorge Du Peixe fez questão de demonstrar carinho por quem assistia seu show, dedicando o espetáculo ao público que tinha que esperar pelas bandas gringas ali, no sol.

Meus destaques vão para a performance do fantástico Lúcio Maia (que na minha opinião é um dos melhores guitarristas do mundo) e para a animada dancinha do percussionista Toca Ogan. Justin Peroff, integrante da Broken Social Scene, chegou a ficar impressionado com a apresentação dos pernambucanos: "Não sabia que existia samba com metal." - afirmou - "Esse é o futuro da música. Hoje em dia, todos os estilos de música estão se colidindo." - concluiu.

A banda que despontou para o Brasil e para o mundo na década de noventa, sob a liderança do inesquecível Chico Science, empolgou a todos com os sucessos "Manguetown", "Maracatu Atômico" e "Quando a Maré Encher". Encerrou seu show com a clássica "Da Lama ao Caos".

White Lies

Enquanto o Garotas Suecas animava o Indie Stage, o rock morgado da White Lies ditava a ordem no palco principal. A banda inglesa me pareceu agradar somente a uma pequena parcela de fanáticos admiradores. Apesar de simpáticos e empolgados, o vocalista Harry McVeigh e seus colegas não conseguiram passar ainda de uma pálida xerox do Joy Division.

O repertório da banda, calcado nos álbuns To Lose My Life (2009) e Ritual (2011) - longe de ser ruim, é profundamente desanimador e até impróprio para tocar num festival - quando muito consegue animar uma marcha de mortos-vivos.

Sim, claro que rolou "Farewell to the Fairground" (a primeira), "Death", "Strangers" e "To Lose My Life". Agradou, mas ainda não disse a que veio.

Broken Social Scene

Quando entraram no palco, os canadenses do combo Broken Social Scene não imaginavam que fariam um dos melhores shows do festival. A apresentação enxuta, com repertório dinâmico e os músicos esbanjando alegria fizeram do show da BSS um êxtase para seus fãs e uma grata surpresa para quem desconhecia a banda.

Logo de cara vieram as deliciosas "World Sick" e "Texico Bitches". A banda liderada por um visivelmente emocionado Kevin Drew promoveu um verdadeiro rodízio de músicos, com seus integrantes o tempo todo se revezando entre os instrumentos. As participações da vocalista Lisa Lobsinger também agradaram bastante.

Momento inesquecível: a platéia acompanhando com palmas a maravilhosa "Stars and Sons". Contudo, para um leve desencanto de minha parte eles não tocaram "Pacific Theme".

Interpol

Devido a problemas com o acerto do som, os nova-iorquinos da Interpol foram responsáveis pelo primeiro atraso no festival, havendo entrado no Main Stage alguns minutos depois do previsto. O repertório foi balanceado entre os quatro álbuns da banda, tendo sido o terceiro (Our Love to Admire) o mais desfalcado, com apenas uma contribuição ("The Heinrich Maneuver") e o segundo disco (Antics) o mais presente, com oito canções.

"Success", do mais recente trabalho, o homônimo Interpol, abriu a apresentação. Depois emendaram com "Say Hello to the Angels", que fez os fãs dos Strokes dançarem junto.

A banda, acusada principalmente por quem não a conhece de desleixada e antipática, confirmou em parte esse estigma ao montar uma set list para si mesma e para seus fanáticos seguidores. Afinal, para algumas pessoas somente isso justificaria a inclusão da burocrática "Hands Away" no lugar do hit "PDA", por exemplo. Acontece que quando escolhe tocar uma "Length of Love" em detrimento de uma "Stella", a Interpol passa claramente a mensagem de não querer se adequar a certas regras. Além disso, enquanto joga para o público mais afeto aos sucessos radiofônicos com "Barricade" ou "Evil", a banda consegue bater uma bola com quem se apaixonou por temas mais obscuros como "Narc" e "The New". Ponto pra eles.

Depois da desafinada do vocalista Paul Banks em "Take You On A Cruise", os fãs viveram momentos de êxtase com "Slow Hands" e "Not Even Jail". Pra fechar com chave de ouro mandaram "Obstacle 1" do primeiro disco, o incensado Turn On The Bright Lights (2002).

No mais fizeram um show bem acima da média, em que até a tensa "Lights" conseguiu animar a plateia.

Beady Eye

"Vim ver esse show porque ele vai ser o mais perto que vou poder chegar de um Oasis." - Foi essa a frase que ouvi de um rapaz que conversava com amigos bem próximo a mim. Apesar de acreditar que essa ruptura dos irmãos Gallagher é tão definitiva quanto a dos seus conterrâneos da Stone Roses (que também diziam que jamais se reuniriam novamente e estão aí com uma penca de shows agendados), eu também fui conferir o show do Beady Eye com a mesma impressão.

A banda que tem quase a mesma formação do Oasis que gravou o último álbum Dig Out Your Soul (2008), demonstra ao vivo a falta que faz o guitarrista, líder e irmão demissionário Noel Gallagher. As músicas de Different Gear, Still Speeding, que funcionam perfeitamente no álbum, parecem não ter o mesmo feeling quando tocadas ao vivo.

Apesar de contar com boas canções como "Bring The Light", "Three Ring Circus" e "Wigwam", os músicos pareciam tocar com uma constrangedora apatia. Tal atitude gerou uma situação curiosa, pois Liam Gallagher, que sempre alimentou a fama de ser chato e arrogante, era de longe o mais carismático e animado sobre o palco.

Depois desse show eu me tornei mais um dos que engrossam o coro pela volta de Noel Gallagher.

Bombay Bicycle Club

Ainda rolava o show da Beady Eye quando me desloquei até o Indie Stage para conferir a apresentação da celebrada Bombay Bicycle Club, e posso dizer que não me decepcionei.

A formação liderada pelo gênio indie Jack Steadman entrou no palco bem no horário previsto, e as luzes nem tinham se acendido ainda quando o público ouviu o fraseado de teclados que abre o mais recente sucesso da banda, "Shuffle".

O show seguiu com a mesma força e troca de energias entre banda e audiência, com a plateia cantando em uníssono as canções dos ingleses. A energia contagiou tanto a banda que alguns de seus integrantes como o baixista Ed Nash, o guitarrista Jamie MacColl e o próprio Jack Steadman não conseguiam conter a emoção, fazendo com que em certos momentos os músicos tocassem como se estivessem sendo eletrocutados. A vocalista de apoio Lucy Rose parecia uma menina que acabou de ganhar uma boneca. Mesmo o geralmente quieto baterista Suren de Saram demonstrava claramente sua alegria, sorrindo de vez em quando para os colegas e para a plateia.

Meus destaques vão para a belíssima "Dust on the Ground", a sensibilidade fluente em "Ivy and Gold", e a potência dos sucessos "Evening/Morning", "Magnet", "How Can You Swallow So Much Sleep" e "Always Like This".

The Strokes

Quando os Strokes entraram no Main Stage a plateia já havia lotado o espaço na frente do palco, provando que mais de oitenta por cento dos presentes na edição de 2011 do Planeta Terra estavam ali para ver Julian Casablancas, Albert Hammond Jr., Nick Valensi, Nikolai Fraiture e Fabrizio Moretti.

Carismáticos, mostraram de início como aquecer uma plateia como a que sofria com o frio da noite paulistana e trataram logo de tocar uma tijolada: "New York City Cops".

Seguiram-se mais seis hits extraídos do álbum que lançou a banda e salvou o rock na década passada, o essencial Is This It.

Espremidas entre os sucessos da banda, as faixas do fraco Angles (2011) não fizeram feio. Algumas delas como "Machu Pichu" e "Gratisfaction" até que funcionaram bem na ligação entre outras canções. Eu diria que de Angles a única faixa que se sustenta numa set list sem estar à sombra de um clássico é "Under Cover of Darkness".

Os que mais pareciam estar se divertindo eram Casablancas e o baterista Moretti. Não foram poucas as vezes em que os dois brincaram, inclusive com o vocalista elogiando de maneira engraçada o colega nascido no Brasil ("I love your hair, I love your lips..." - disse). Merece elogios também o profissionalismo do guitarrista Nick Valensi, que subiu ao palco mesmo mancando e com um pé machucado.

Apesar do grande destaque do show terem sido as faixas de Is This It, canções como "Reptilia", "You Only Live Once" e "Juicebox" também foram recebidas com entusiasmo pela plateia.

O fim com "Hard to Explain" e "Take It or Leave It" foi apoteótico na mesma medida que deixou todos com aquele "gostinho de quero mais". Gostinho que só não foi maior que a felicidade estampada nos rostos de quem viu esse show.

O povo foi saindo aos poucos, tão feliz que pareceu nem se dar conta que a Groove Armada ainda faria seu show. Melhor assim, pois não havia por que arriscar aquela madrugada perfeita.

Banda da Semana: Sherman (Bélgica)

2011-11-03T14:55:00.005-03:00

Sherman é o alter ego do belga Steven Bossuyt. O cantor, compositor e guitarrista montou a banda lá pelos idos de 2009, juntamente com seu amigo, o baterista David Demeyere.

"On Your Side", seu primeiro single, obteve excelente repercussão e acabou levando a banda a uma produtiva temporada de shows em Londres.

Um segundo single chamado "Days Go By" foi lançado em maio de 2011 e ajudou a tornar a Sherman headliner de vários shows pela Bélgica, Inglaterra e restante da Europa. O álbum de estréia da banda está com lançamento previsto para o ano que vem.

Fazem parte da Sherman, além de Bossuyt e Demeyere, o guitarrista Gerbel Hemelsoen e o baixista Timothy Jacobs.

Aprecie o talento de Steven Bossuyt e sua banda Sherman em "One Way Town", seu novo single.

Sherman é para quem gosta de: The Strokes, Bombay Bicycle Club, The Kooks e The Fratellis.

Do Mucambo Cafundó para o Planeta Terra

2011-11-02T19:48:00.028-03:00

A Selvagens à Procura de Lei comemora a ida ao Festival Planeta Terra

Sempre ouvi dizer que Deus é brasileiro. Mais do que isso, digo que, se Deus é realmente brasileiro, então sem sombra de dúvidas ele é cearense. Afinal, precisa mesmo ter uma grande cabeça para planejar e construir um mundo em seis dias.

O Ceará sempre foi - numa paradoxal constatação - a prova do improvável. Estado que passou anos dentre os mais pobres do Brasil, vergonhosamente ostentando um dos mais altos índices de mortalidade infantil dentre todos da federação. Lugar da terra seca e sol quente onde nasceu um povo de raízes fortes, mas ainda assim migrante.

Foi no Ceará, na cidade de Sobral, que o físico Albert Einstein comprovou sua Teoria da Relatividade, em 1919. O Ceará é um dos estados que mais chorou com as secas, mas também um dos maiores berços de humoristas do país. Daqui a dois dias o estado irá protagonizar outro feito, quando enviará Selvagens à Procura de Lei, uma banda de garotos cujo teto de idade é de 23 anos para o palco de um dos maiores festivais nacionais da temporada 2011, o Planeta Terra.

Os rapazes cearenses com caras de bons moços entraram na programação do festival aos 14 e meio do segundo tempo da prorrogação, depois de uma votação pela internet e de uma eliminatória onde foram escolhidos por voto unânime do júri. A banda abrirá o evento no lugar dos suecos da Peter Bjorn & John, que cancelaram sua vinda ao Brasil devido a um acidente ocorrido com seu baterista. De quebra, ainda ganharam da gravadora Deck um contrato de gravação e divulgação.

A bem da verdade, não será a primeira vez que um nome da música cearense rompe barreiras geográficas, culturais e mercadológicas para mostrar seu trabalho. É fato que o pai do nacionalismo na música erudita brasileira foi um cearense chamado Alberto Nepomuceno.

Enquanto o Brasil dava uma coça nos nazistas e fascistas nos campos de batalha europeus, em 1945, o compositor fortalezense Lauro Maia assinava contrato com a antológica Rádio Tupi. Já pelos idos dos anos 70, o chamado "Pessoal do Ceará" invadiu o Sudeste com seus pavões e canteiros. A herança musical de Belchior, Raimundo Fagner, Amelinha, Rodger Rogério e Téti pairou sobre os turbulentos anos 70 como se fosse uma mágica jangada voadora.

Ainda nesse período o Brasil conheceu o rock pesado da banda O Peso e sua clássica composição "O Pente". A música não somente foi um dos hinos das gerações metaleira e bicho-grilo dos 70's, como antecipou em décadas a mensagem junkie do Planet Hemp.

O Ceará só voltaria a marcar gols no cenário musical brasileiro nos anos 2000, quando a banda O Surto tomou de assalto as FM's nacionais com a música "A Cera". Depois vimos um punhado de artistas cearenses migrarem para São Paulo apenas para sumirem das vistas de seus conterrâneos. Muitos dos quais viram seus planos de uma carreira reconhecida nacionalmente irem por água abaixo. Casos de Karine Alexandrino, Enverso e Montage.

Existiram também aqueles que ainda estão batalhando, como as bandas O Sonso e Mafalda Morfina. A mais destacada, porém, é a Cidadão Instigado, do incensado vocalista e guitarrista Fernando Catatau.

Agora é a vez da Selvagens à Procura de Lei usar de seu aríete musical revestido de Arctic Monkeys, Strokes e Blur para conquistar de vez os ouvidos do resto do país.

A banda que existe desde 2009 lançou dois EP's no ano passado (Talvez Eu Seja Mesmo Calado, Mas Eu Sei Exatamente O Que Eu Quero e Suas Mentiras Modernas) e seu primeiro álbum esse ano, chamado Aprendendo a Mentir.

Juntos, Gabriel Aragão (vocais e guitarra), Rafael Martins (guitarra e vocais), Caio Evangelista (baixo e vocais) e Nicholas Magalhães (bateria) são a prova de que não existe a necessidade de um "raio de fogo" ou música em novela teen da Globo para se obter sucesso e reconhecimento.

A Selvagens à Procura de Lei ganha pontos importantes pela enorme dedicação ao que faz e pelo carinho com que trata seu público. Diferente de outras bandas que caíram na ilusão de que, basta se mudar "de mala e cuia" para um grande centro cultural para que as coisas aconteçam, a Selvagens permanece na ponte aérea entre São Paulo e Fortaleza. Após o lançamento de Aprendendo a Mentir não largaram sua base de fãs e foram simplesmente mendigar espaço nas casas de shows do Sudeste, mas continuaram aparecendo em Fortaleza. Mais do que isso, tornaram-se atração fixa do lugar onde começaram sua carreira, o Órbita Bar. Lá é perfeitamente normal esbarrar com qualquer um dos meninos e bater um papo agradável sobre música ou outras amenidades.

Os próprios Selvagens são responsáveis pela divulgação de suas ações nas redes sociais da web. A banda criou inclusive uma mitologia própria, com o folclórico "cara do escafandro".

Há ainda um detalhe importante a ser ressaltado sobre a Selvagens à Procura de Lei: a banda em momento algum abriu mão do controle sobre sua música. Diferente d'O Surto, por exemplo, que participou da terceira edição do Rock In Rio em 2001, a Selvagens não precisou "podar" seu som para cair nas graças de um produtor e entrar no esquemão das rádios. Os rapazes são os responsáveis por quase todo o processo de produção. Do esboço inicial da canção até os retoques finais dados por quem pilota a mesa, tudo tem de sair exatamente como a banda quer.

Será por essas e outras que, quando subir no Claro Indie Stage no próximo dia 05 de novembro, às 16 horas, a Selvagens à Procura de Lei não estará levando ao palco somente os sonhos de seus integrantes e a bandeira do estado do Ceará, mas um pouquinho do coração de cada "Zé", de cada "Chico de Assis" ou "Raimundinho" que pega uma guitarra na Aldeota fortalezense ou num bairro pobre de Icó.

O feito desses garotos merece ser comemorado por todos os roqueiros cearenses que tentaram e deram pra trás; todos que ainda tentam, e todos aqueles que estavam esperando apenas por isso pra começarem a correr atrás de seus sonhos.

A Selvagens prova que é possível sim - com trabalho, dedicação, propriedade sobre sua música e carinho aos fãs - conjugar dois verbos numa mesma carreira. Quer saber quais são eles? Sonhar e realizar.

Veja no vídeo abaixo o momento do anúncio da Selvagens à Procura de Lei como a vencedora do concurso Hit Todo Som Todo Seu BB, que a colocou no Festival Planeta Terra.

Made In USA: The Sunshine Factory (Alabama)

2011-11-01T12:42:00.005-03:00

Não deve ter sido nada fácil para Ian Taylor (vocais e guitarra) e Sally Robertson (baixo e vocais) terem crescido em Mobile, Alabama. O estado onde a cidade se localiza é um daqueles territórios caipiras dos EUA, pródigos em gerar evangélicos radicais e racistas de longa data.

A The Sunshine Factory foi formada pelos dois em meados dos anos 2000 para tocar rock inglês da década anterior, ou seja, um som bem contrário ao ritmo musical tradicional do Alabama, que é a quadrilha.

O som dessa dupla agrada em cheio aos fãs de My Bloody Valentine e Lush, com aquelas guitarras sobrepostas, muralhas de distorção em algumas músicas e vocais sussurrados em outras. Aconselho a quem quiser ter a prova da comparação com a banda do guitar-hero Kevin Shields, a assistir ao vídeo de "Twisted and Clover".

Ao vivo costumam usar projeções com óleo, que pintam verdadeiros painéis psicodélicos no cenário de seus shows.

Estão com três discos lançados: Vintage Revolution (2009), Sugar (2010) e Sugar Live (ao vivo, 2011).

Em tempo: existe uma outra banda chamada Sunshine Factory, só que sem o "The", e de estilo bastante diferente.

Deixo vocês com "Blue Sky", uma maravilhosa faixa do primeiro disco da dupla. Infelizmente não estou conseguindo postar os links do Myspace, e o vídeo do Youtube não é dos melhores. Ainda assim vale demais a pena ouvir essa música, de singular riqueza melódica.

The Sunshine Factory é para quem gosta de: My Bloody Valentine, Lush, The Swirlies.

Álbum da Semana: In It for the Money (Supergrass)

2011-10-31T09:14:00.011-03:00

1997 foi um bom ano para o rock britânico. Foi em 1997 que o Oasis enveredou pela psicodelia com Be Here Now, e que o The Verve entrou para a história com Urban Hymns. Foi nesse mesmo ano que a música eletrônica se rendeu ao rock com Dig Your Own Hole (Chemical Brothers) e The Fat of the Land (Prodigy), e que o rock se rendeu à música eletrônica com Ok Computer (Radiohead) e Vanishing Point (Primal Scream).

Dentro da vertente inglesa daquilo que se convencionou chamar "britpop", dois álbuns que fizeram a diferença também foram lançados em 1997: o quinto álbum do Blur (chamado apenas Blur) e In It for the Money, da Supergrass.

In It for the Money foi o segundo álbum da banda formada em Oxford e que havia estreado em disco apenas dois anos antes com I Should Coco, que deu ao mundo o hit "Alright".

O trio formado por Gaz Coombes (vocais e guitarra), Mick Quinn (baixo) e Danny Goffey (bateria) - aos quais mais tarde se juntou o tecladista Rob Coombes, irmão mais velho de Gaz - sempre teve uma proposta mais anárquica em relação aos seus pares de geração. Anarquia essa que começa pelo título do disco (Estamos Nisso pela Grana).

Esse trabalho marca o fim da adolescência dos garotos, mas também acena para o que viria no futuro quando a banda buscaria na fonte de Kinks e (claro!) Beatles a inspiração para suas próximas obras.

A faixa título abre o álbum num clima sombrio que aos poucos vai se dissipando e ganhando as cores do verão do amor de trinta anos antes. Na sequência temos "Richard III", um proto-punk com um belo embate entre a guitarra, o baixo e a bateria. "Tonight" é um funk cheio de moral, com direito a metais e um pianinho levemente boogie.

A quarta faixa é "Late in the Day", uma balada de nuances psicodélicas bem ao estilo Magical Mystery Tour.

"G-Song" começa modorrenta mas depois ganha dinâmica e abre caminho para a alegria hippie de "Sun Hits the Sky". "Going Out" é uma crítica ao baterista Danny Goffey, que largou a Supergrass no início das gravações de In It for the Money para ir tocar na banda de outro amigo. O baterista até que voltou a tempo de consertar a besteira, mas Gaz Coombes manteve a música assim mesmo.

"It's Not Me" é construída sobre violões e deliciosas intervenções de órgão e sintetizadores. Já "Cheapskate" mostra que a banda andou ouvindo muito Sly and Family Stone para se inspirar.

Se "You Can See Me" tivesse sido composta por Lennon e McCartney, com certeza absoluta seria reverenciada nos dias de hoje como um clássico do rock. Ainda há espaço para a lisergia com contornos bluesy de "Hollow Little Reign" e para a beatbox tresloucada trip de "Sometimes I Make You Sad".

Com In In for the Money a Supergrass acenava novamente para o sucesso mundial, mas dessa vez com maturidade e elegância. Ainda assim, não foi com esse álbum que a banda conseguiu largar a imagem de moleques do rock inglês. Aos olhos de muitos críticos a formalidade do trio ainda se assemelhava à daquele garotinho de smoking que carrega as alianças nos casamentos, o popular pajem.

Com o disco seguinte (o homônimo Supergrass) o já quarteto formado pelos irmãos Coombes e mais Mick Quinn e Danny Goffey conseguiu finalmente ser levado a sério. Mas o resultado foi um álbum estéril e sem sal se comparado ao breakfast irônico e cínico de In It for the Money.

A deixa do Aeropsicodélico é a faixa "Late in the Day", que foi o quarto single retirado de In It for the Money.

Banda da Semana: Spökraket (Dinamarca)

2011-10-27T11:33:00.005-03:00

Spökraket é uma banda de dream pop, noise pop, e um pouco de space rock também, baseada em Aarhus, Dinamarca.

Seu leque de influências é bastante abrangente, indo da surf music de The Ventures e Beach Boys ao rock chapado de cogumelos de Hawkwind e Gong.

A repetição de texturas é sinal da influência de algumas bandas alemãs da década de 70 (Tangerine Dream a mais notória) e faz com que a Spökraket se assemelhe a outra boa formação que já esteve aqui: Deerhunter.

As músicas são construídas nos ensaios, na base do improviso, quando os músicos se deixam levar pela criação de peças cheias de efeitos e sonoridade atmosférica.

A banda que tem no núcleo de sua formação Jonathan Hojgaard (vocais e guitarra), Bjorn Vind Abildtrup (guitarra), Hans Andersen (baixo) e Michael Skjoldborg Lyberth (bateria), conta com a colaboração de outros músicos que ficam indo e vindo a toda hora. Um verdadeiro coletivo de criação musical.

Fiquem com uma demonstração do som desses dinamarqueses em "Just Go Spit Out Another Lie", faixa que está presente no EP All Art Is Propaganda.

Spökraket é para quem gosta de: The Ventures, Gong, Deerhunter, Tangerine Dream, texturas sobrepostas de guitarra e canções com vocal etéreo e clima atmosférico.

Made In USA: Beach Fossils (Nova Iorque)

2011-10-26T10:31:00.006-03:00

Beach Fossils é uma daquelas bandas americanas e atuais, que só são "americanas e atuais" por um mero acidente geográfico/cronológico.

Originária do mesmo Brooklyn de onde veio a The Drums (que você já viu aqui), a Beach Fossils também compartilha as mesmas influências musicais que vão de Dif Juz e Aztec Camera à Joy Division.

A banda foi formada em 2009 para dar vazão às composições do garoto-prodígio Dustin Payseur, um fã de Ornette Coleman e The Byrds.

Payseur, de guitarra nas mãos, resolveu apostar no retorno do chamado jangle pop e, ao lado de Christopher Burke (guitarra) e John Pena (baixo) resolveu montar a Beach Fossils.

Um álbum homônimo lançado em 2010 e um EP chamado What A Pleasure (2011) são os dois principais trabalhos que constam no currículo do trio.

Beach Fossils é uma excelente pedida para quem é chegado num rock mais calmo e viajante, com letras elaboradas e intimistas, e climas que remetem às pinturas dos franceses Matisse e Monet.

Uma pequena mostra do som da Beach Fossils no belíssimo vídeo de "Adversity". A faixa está no EP What A Pleasure, lançado esse ano.

Beach Fossils é para quem gosta de: The Smiths, Felt, Aztec Camera, Dif Juz e The Drums.

Guns N' Roses pode voltar com formação original

2011-10-26T09:04:00.006-03:00

O Guns em sua formação clássica

Depois da badalada volta dos ingleses da Stone Roses, outras "rosas" roqueiras parecem também querer dar o ar de sua graça. Nesse caso seria a problemática Guns N' Roses que estaria planejando um retorno com sua formação original.

Quem andou falando do assunto foi o baixista e membro fundador Duff McKagan. Segundo o próprio Duff (que se juntou ao vocalista e único membro original Axl Rose ano passado para um show), uma turnê com ele e Axl, mais os guitarristas Slash e Izzy Stradlin, e o baterista Steven Adler foi discutida. "Claro que existe uma chance." - Disse o músico.

O grande entrave à questão, ao que tudo indica, tem sido a atitude pouco amigável de Axl em relação a seu ex-companheiro de banda e atual desafeto, Slash.

Axl andou dando declarações pouco elegantes acerca do guitarrista, citando inclusive que roubava garotas de Slash, e de que o guitarrista teria certa vez "de tão bêbado, urinado nas próprias calças antes de uma apresentação".

Ao que tudo indica, Axl andou irritando tanto os fãs por festivais mundo afora, que não lhe restou outra alternativa senão a paz forçada com seus ex-companheiros. Agora, é ficar na torcida para que os boatos se tornem realidade. (Fonte: NME)

Álbum da Semana: Highly Evolved (The Vines)

2011-10-24T23:43:00.006-03:00

Pergunta do vestibular de qualquer universidade roqueira que se preze: Em qual disco do rock o Nirvana se encontra com o Grateful Dead? A resposta com certeza será Highly Evolved, da australiana The Vines.

São ao todo doze faixas que unem de forma única o grunge e a psicodelia, pintando com fortes tintas um painel revelador do confuso começo da década dois mil.

Formada na época de seu lançamento por Craig Nicholls (vocais, guitarra e piano), Ryan Griffiths (órgão, piano e baixo) e Dave Oliffe (bateria), a The Vines fez de Highly Evolved o alicerce sonoro que a sustenta até hoje.

O álbum se divide em pesadas ("Highly Evolved", "Outtathaway!", "Get Free", "In the Jungle", "Ain't No Room" e "1969") e lentas ("Autumn Shade", "Homesick", "Country Yard" e "Mary Jane").

Ouvindo Highly Evolved com atenção podemos encontrar momentos de grande beleza, como o solo viajante de "Autumn Shade"; o belo chorus da guitarra que abre "Mary Jane", e o rockinho de inspiração ska "Factory".

Havia ainda espaço para dançante "Sunshinin", curioso ponto de convergência onde se encontraram Mudhoney, Blondie e Ride numa síntese genial. Já "Get Free" é o divertido resultado da soma Nirvana+Beatles.

Highly Evolved fez a The Vines aparecer na capa da Rolling Stone com os dizeres "O Rock Está de Volta: Conheça The Vines". Foi a primeira capa para uma banda australiana em quase vinte anos. A última havia sido a Men At Work.

Pouco depois do lançamento do disco a banda substituiu o baterista Oliffe por Hamish Hosser, e acrescentou o baixista Patrick Matthews à formação.

O álbum também foi a primeira prova da força do vocalista, guitarrista e compositor Craig Nicholls. O pancada - além de entusiasta de certos tipos ilícitos de ervas - é portador da Síndrome de Asperguer, um tipo de autismo.

Em Highly Evolved a The Vines construiu um álbum coeso e de marcante repertório. Ainda nos dias de hoje, um disco que merece ser ouvido com atenção e um sorriso nos lábios.

Deixo vocês com a eletrizante "Outtathaway" e toda a energia dos australianos da The Vines. Enjoy it!

God Save Bretanha: The Duke Spirit (Inglaterra)

2011-10-23T22:24:00.006-03:00

Cheltenham é o nome da cidade inglesa onde nasceu o ex-guitarrista dos Rolling Stones, Brian Jones, falecido em 1969. Também foi lá que começou a ser formada a The Duke Spirit, banda de garage rock fortemente influenciada pelo rock lisérgico de nomes como 13th Floor Elevators e pelos já citados Stones em sua fase psicodélica (ver os álbuns Flowers e Their Satanic Majesties Request).

A banda nasceu da parceria da vocalista Liela Moss (que também toca teclados, harmônica, piano e uma percussãozinha aqui e ali) com o guitarrista Luke Ford. Os dois se conheceram no colegial, firmaram uma amizade centrada na música e concordaram em montar uma banda. Pronto! Bastou se mudarem pra Londres em 2003 para que as coisas começassem a andar.

Cuts Across the Land, o álbum de estréia, foi lançado em 2005. O disco soa como um intrigante encontro de Sonic Youth com Hellacopters. Um verdadeiro petardo. O segundo disco foi Neptune (2008) e o terceiro acaba de ser lançado e se chama Bruiser.

Atualmente a banda é formada por Liela Moss, Luke Ford, Toby Butler (guitarra, vocais, órgão e piano), Marc Sallis (baixo) e Olly Betts (bateria).

Apreciem o rock aditivado da The Duke Spirit em dois de seus melhores momentos: primeiro a pegada de "Everybody's Under Your Spell", presente em seu mais recente álbum, Bruiser. Na sequência temos o capetão cachaceiro dando as caras em "Will the Devil Dance", lançada apenas em single.

The Duke Spirit é para quem gosta de: Queens of the Stone Age, PJ Harvey (fase Desert Sessions), Hellacopters, The Vines.

Sebo do Rock: Sound Affects (The Jam)

2011-10-22T18:05:00.011-03:00

Não era nada fácil ser jovem na Inglaterra do começo da década de 80. O período coincidiu com o começo daquilo que se convencionou chamar de "Thatcherismo", ou seja, o início do período de esfacelamento do aparato estatal britânico em prol da iniciativa privada. O termo foi derivado do nome da personalidade política que o implantou no seio da sociedade inglesa: a então Primeira-Ministra Margaret Thatcher, que governou a Inglaterra de 1979 a 1990 e ganhou o apelido de A Dama de Ferro.

Trocando em miúdos, isso foi o equivalente ao que vivemos no Brasil da era-FHC, quando aqui se implantou um modelo semelhante. Em ambos os países a doutrina econômica de austeridade provocou arrocho salarial, o esmagamento dos sindicatos, desempregos e privatizações.

Outro ponto crucial foi a retirada dos investimentos governamentais em saúde e educação, por exemplo. Fato que só agravou mais ainda a crise social.

Foi dentro desse panorama que a The Jam surgiu e se desintegrou. Não sem antes mostrar sua música de pegada feroz e letras inteligentes, que sacavam tudo que as camadas mais pobres pensavam e bradava aquilo que os jovens ingleses tinham entalado em suas gargantas.

A banda surgida em Surrey, cidade situada à meia hora de Londres, era formada por Rick Buckler (bateria), Bruce Foxton (baixo e vocais) e Paul Weller (vocais e guitarra).

Iniciaram as atividades em 1972, mas somente cinco anos depois, em plena efervescência do movimento punk foi que conseguiram lançar seu álbum de estréia, In The City. A banda, que posava para as capas de discos e compactos e se apresentava ao vivo usando impecáveis terninhos, foi ponta de lança no movimento musical chamado Mod Revival, dentro do qual surgiram nomes como The Lambrettas, The Chords e The Merton Parkas como os mais representativos.

Sound Affects foi o quinto disco da The Jam. O baixo e a guitarra funkeados que abriam o álbum em "Pretty Green" formigavam nos ouvidos, enquanto que a letra avisava que os jovens estavam "por conta" naquele momento, pois a escola deixara de ensinar como eles deveriam se portar diante da vida. "Monday" vinha na sequência, prestando tributo aos sixties com sua bela melodia.

Em "But I'm Different Now" e "Set the House Ablaze" as guitarras voltavam a apitar a todo volume. Sobre "Set the House Ablaze" vê-se claramente sua influência na música de bandas atuais como Franz Ferdinand.

"Dream Time" era um conto urbano disposto num instrumental energético; e "Man in the Corner Shop" antecipava a melodia dos Smiths numa bela parábola onde o interlocutor (um trabalhador de fábrica) invejava a tranquilidade da vida de quem tinha seu próprio negócio. No caso, tomava-se como exemplo o dono da loja da esquina.

Impossível não dançar com "Music for the Last Couple", faixa que une funk e ska numa batida genial. Destaque para o baixo animalesco de Bruce Foxton e a bateria vibrante de Rick Buckler. Duvido muito que quem tenha sangue roqueiro correndo nas veias não se apaixone por essa música.

Um dos carros-chefe de Sound Affects foi com certeza "Start!". A canção que teve a linha de baixo copiada de "Taxman", dos Beatles, além de ser uma das mais conhecidas da carreira da The Jam, também serviu - em meados da década de oitenta - para inspirar a brasileira Ira! na hora de agregar o ponto de exclamação ao seu nome.

Em "Boy About Town" a banda abordava, de modo claro e direto, o tema da ociosidade juvenil gerada pelos altos índices de desemprego e pela falta de perspectiva entre os jovens. Sua letra conta a história de um garoto que passa seus dias simplesmente andando pelas ruas de sua cidade porque não tem nada pra fazer. Já em "That's Entertainment", que tornou-se um dos hinos da banda, o protagonista dá uma descrição romântica de várias cenas encontradas nas grandes cidades. De certa forma, não seria exagero afirmar que Renato Russo teria se inspirado na letra dessa canção para escrever "Música Urbana 2".

Parece até fruto de algum delírio afirmar isso, mas arrisco dizer que se Sound Affects não existisse, o rock inglês surgido nas décadas de oitenta e noventa não teria conseguido se relacionar com seus antepassados sessentistas Beatles e Kinks.

A força de suas letras e arranjos foi tão intensa que nem mesmo a própria The Jam resistiu. A banda encerrou suas atividades após o lançamento do álbum seguinte (The Gift, de 1982), com Paul Weller indo curtir uma nova onda com a banda Style Council.

Quer meu conselho? Compre ou baixe esse disco! Só não se deixe passar pela vida sem ter escutado Sound Affects.

Esse é um daqueles álbuns para se ouvir do começo ao fim, estando atento a cada detalhe, cada nota. Trata-se de uma verdadeira obra-prima, que relata um período de tensões políticas e econômicas e seu reflexo na sociedade de sua época. Nada mal para um trabalho que foi inspirado nos discos Revolver (Beatles) e Off The Wall (Michael Jackson) e na poesia de Percy Bysshe Shelley.

Fiquem com um pouquinho do som da The Jam em "That's Entertainment", música que já ganhou uma digna versão interpretada por Morrissey.

The Jam é para quem gosta de: The Who, The Kinks, The Beatles, The Creation, Ira! e ska.

Alhos, Bugalhos e Rótulos: Rock de Brasília

2011-10-21T10:32:00.024-03:00

Legião Urbana: quinze anos depois do fim, ainda a maior banda de Brasília

O filme Rock Brasília - Era de Ouro, que estréia hoje em várias salas de exibição no Brasil, deverá levar muita gente aos cinemas. O documentário dirigido por Vladimir Carvalho promete conquistar tanto os saudosistas quanto os curiosos da nova geração, que não vivenciaram aquele momento do rock nacional, mas que não aguentam ouvir coisas atuais e hediondas como Restart e Glória.

Falar do rock surgido na capital federal como um todo seria muito extenso. Apesar da grande maioria só ter conhecido os nomes mais famosos e representativos como Capital Inicial, Plebe Rude, Raimundos e - óbvio - Legião Urbana, o rock brasiliense teve outros inúmeros nomes que ajudaram de uma forma ou de outra a construir sua mítica face.

É certo afirmar que o marco zero do rock candango se deu no local chamado Colina. Era ali, num conjunto de blocos residenciais situados dentro da UnB (Universidade de Brasília) que professores, intelectuais, alunos e agregados em geral (a maioria adolescentes) iam se abastecer de música, poesia, informação e drogas.

O país vivia sob o espectro do Regime Militar e, como o punk inglês contestava a "ditadura" conservadora e neoliberal de Margaret Thatcher (a dama de ferro), houve uma imediata identificação dos jovens de Brasília com aquele estilo musical.

O punk também construía trincheiras entre as quadras e esplanadas de Brasília, em muito por influência de alguns filhos de diplomatas que, uma vez morando na Inglaterra devido a programas de intercâmbio estudantil, mandavam fitas cassete para seus amigos no Distrito Federal. Essas fitas continham a nata do rock britânico de então. Bastiões punk como Sex Pistols, The Clash, The Jam e Undertones; e coisas que já rolavam na nova onda da música inglesa como Joy Division, Magazine, PIL, Siouxsie and the Banshees e Comsat Angels.

Começaram então a surgir bandas voltadas para essas duas vertentes musicais e estéticas do rock. O punk abriu espaço com Aborto Elétrico (de onde saíram Renato Russo e os irmãos Fê e Flávio Lemos, do Capital Inicial), Blitz 64 (onde tocavam o ex-baterista da Plebe Rude, Gutje Wortmann e o ex-guitarrista do Capital Inicial, Loro Jones) e Os Metralhas (banda de Marcelo Bonfá e André Mueller, baixista da Plebe Rude). Com a fagulha inicial do que viria a ser a cena de Brasília começaram a surgir points para os shows e as reuniões da turma, como o bar Cafofo, a lanchonete Food's e a boate Broadway.

O primeiro triênio da década de oitenta serviu para que, depois de muitas experiências, as bandas firmassem suas formações. Por exemplo, quem é mais jovem e pegou o bonde andando, dificilmente sabe que antes que Dinho Ouro Preto fosse a voz do Capital eles tiveram como vocalista uma garota chamada Heloísa. Há também quem não saiba que a Plebe Rude, normalmente conhecida por suas tijoladas de protesto como "Proteção" e "Até Quando Esperar", tinha uma orientação mais new wave no começo, com duas vocalistas que tentavam reeditar o que as cariocas Fernanda Abreu e Márcia Bulcão faziam na Blitz.

Os anos foram passando e a cena de Brasília só foi se consolidando mais. Surgiu um novo local para shows (Radicaos) e as bandas foram atraindo cada vez mais a atenção do público jovem e a ira dos conservadores e militares. Estes não gostavam nada daquele bando de moleques que tocavam músicas de teor contestatório e usavam roupas rasgadas, cheias de alfinetes.

Foi nessa época também que uma banda formada por dois exilados da cidade começou a dar uma importante contribuição para a explosão nacional das bandas de Brasília. Herbert Vianna e Bi Ribeiro, que agora moravam no Rio de Janeiro e respondiam pelos Paralamas do Sucesso, gravaram "Química" em seu álbum de estréia.

De repente a imprensa do Sudeste começou a lhes perguntar quem era o tal Renato Russo que havia composto essa música sozinho, e mais uma em parceria com Herbert e o outro "paralama" João Barone ("O Que Eu Não Disse"). Foi o que bastou para que Capital Inicial e Plebe Rude se mudassem para o Rio e se posicionassem sob a tutela de Herbert e dos Paralamas. Curiosamente, a Legião Urbana migrou para a cidade de São Paulo nesse primeiro momento.

Começava ali a invasão das bandas de Brasília. De uma hora pra outra eles estavam lançando discos e tocando nos programas de auditório como Cassino do Chacrinha e Globo de Ouro, e em locais como Circo Voador (RJ) e - no caso da Legião Urbana - na boate Napalm (SP).

Como era de se esperar, as bandas de Brasília fizeram bastante sucesso. A carga de informação contida nas letras, bem como a sintonia com o que estava rolando lá fora naquela época, fizeram das bandas brasilienses (juntamente com alguns nomes paulistas como Ira!, Fellini, Voluntários da Pátria, Akira S & As Garotas Que Erraram e Cabine C) as queridinhas dos alternativos em geral.

Compreensível, se levarmos em conta que dificilmente um fã da verborragia gótica do Joy Division acharia alguma graça na música da Blitz, fortemente influenciada pela new wave estéril dos B-52's e cujas letras pareciam ter sido inspiradas nas conversas entre os playboys e as patricinhas adolescentes que frequentavam Ipanema. O Barão Vermelho, em sua tentativa de conjugar Rolling Stones e Cartola num mesmo som, também não sentava bem nos ouvidos dos fãs de PIL ou Talking Heads.

Depois do sucesso dessa primeira leva de bandas as gravadoras saíram em busca de similares em Brasília. Foi lançada a coletânea Rumores, feita só com bandas da capital federal. A partir de então, nomes como Banda 69, Detrito Federal, Finis Africae, Obina Shok, Escola de Escândalos, Elite Sofisticada, Arte no Escuro, 5 Generais e Peter Perfeito (de onde saiu o futuro produtor de Maria Rita, Tom Capone) começaram a também serem ouvidos. Essa foi a segunda geração do rock brasiliense como o conhecemos, mas que infelizmente não chegou a ter o mesmo sucesso que seus antecessores.

O "fracasso" das bandas da segunda geração em fazerem valer suas vozes no cenário nacional fez com que o rock de Brasília deixasse de seguir a estilística inglesa para buscar outras influências. Foi dentro desse contexto que surgiram, já no começo dos anos 90, o heavy metal de Dungeon (do excepcional guitarrista Fejão, falecido em 1996) e Volkana (liderada pela ex-vocalista da Escola de Escândalos, Marielle Loyola); o punk debochado de Little Quail and the Mad Birds (primeira banda de Gabriel Thomaz, hoje nos Autoramas), a irreverência de Cassia Eller e o "baiãocore" dos Raimundos.

Dos artistas brasilienses surgidos na década de 90, apenas os Raimundos e a cantora Cassia Eller alcançaram o sucesso comercial. Outra banda, a indie Low Dream, seguia a tradição de se espelhar em bandas inglesas como Jesus & Mary Chian e My Bloody Valentine, mas sua fama ficou restrita aos meios independentes.

Brasília continua produzindo de tudo. Do reggae radiofônico dos Natiruts e o samba-rock da banda oTriploVinte ao ska dos Móveis Coloniais de Acaju, a capital federal segue provando que tem mais do que apenas luz, carros, prédios, árvores nos eixos, polícia montada e baratas.

Prova também que a grande excelência da cidade não se encontra nos palácios do poder, mas em qualquer palco da cidade onde houver alguém disposto a mostrar sua música.

O Aeropsicodélico escolheu algumas canções que representam bem o rock brasiliense. Em primeiro lugar teremos o Capital Inicial, com "Fátima"; seguida pela Plebe Rude com "Luzes", do repertório de outra banda de Brasília (Escola de Escândalos); Finis Africae com "Armadilha"; o pós-punk mauricinho dos 5 Generais em "Levante da Cadeira" e, pra finalizar, a Legião Urbana com "Que País é Este?".

Banda da Semana: Coeur de Pirate (Canadá) e Julien Doré (França)

2011-10-20T09:08:00.006-03:00

A seção Banda da Semana vem em dose dupla hoje, e mostra que beleza e talento podem sim andar juntos.

Coeur de Pirate (Coração de Pirata) é o nome artístico da cantora e compositora canadense Béatrice Martin. A pequena notável, nascida na cidade de Montreal há 22 anos, começou a tocar piano aos três aninhos de idade e aos quinze fazia parte de um grupo de pós-hardcore.

Lançou em 2008 seu autointitulado debut, que trazia canções como "Ensemble". No momento prepara-se para lançar seu segundo disco (Blonde).

Apesar de ser canadense e consequentemente bilíngue, Béatrice Martin ignora o inglês e compõe quase que inteiramente em francês. Sua música é um misto de Kate Nash com France Gall (ícole pop juvenil francês nos anos 60) e pitadas de nouvelle vague. Adicione-se a isso providenciais intervenções de piano e teclados e você terá uma mostra do trabalho do Coeur de Pirate.

Já Julien Doré é um ex-modelo francês de 29 anos que entrou para o mundo musical depois de ter ganho um show televisivo de talentos em seu país.

Doré já lançou três álbuns de 2008 para cá e vive cercado de rumores sobre uma suposta bissexualidade, pois apesar de ter namorado uma conhecida apresentadora de TV, alguns de seus vídeos possuem fortes características homoeróticas. Mas nada disso diminui o talento desse excepcional cantor, que revela um enorme potencial para ser o herdeiro de Serge Gainsbourg, o maior ícone do pop francês em todos os tempos.

Fiquem com Coeur de Pirate - numa maravilhosa parceria com Julien Doré - no vídeo de "Pour un Infidèle". A faixa, que deverá angariar a preferência dos fãs da banda escocesa Camera Obscura, presta tributo à primeira visita dos Beatles aos EUA. Depois encare a ginga, o humor e o talento de Julien Doré, no clipe da música "Les Limites".

Coeur de Pirate é para quem gosta de: France Gall, Kate Nash, Camera Obscura e nouvelle vague em geral

Julien Doré é para quem gosta de: Serge Gainsbourg e pop francês em geral.

Rock Brasilis: The Tamborines (Maringá-PR/Londres)

2011-10-19T09:04:00.008-03:00

A banda The Tamborines foi formada em Maringá, cidade situada no estado do Paraná, em 2000. Surgiu no alvorecer da quarta onda do indie rock brazuca, ao lado de nomes como Forgotten Boys e Phonopop.

Desde o começo, quando ainda eram um quinteto, optaram por compor seu repertório majoritariamente em inglês. Ainda em sua fase inicial lançaram o EP Dressed Up To Better Feel The Sun, onde desfilavam suas influências de Velvet Underground, My Bloody Valentine, Ride e The Telescopes.

Dois anos depois de sua estréia fonográfica, os Tamborines começaram a se desfazer. Em sua formação permaneceram apenas os músicos Henrique Laurindo (vocais e guitarra) e Luciana Nozaki (teclados, sintetizadores e percussão). Nessa época tomaram a radical decisão de se mudarem para Londres. Não poderia ter dado mais certo.

Na capital inglesa a banda mergulhou de cabeça no circuito de pubs e clubes alternativos. Começaram a produzir material e a tocar com bambas do shoegazing e do neo-psicodelismo como Frank Teardrop (da banda australiana Brian Jonestown Massacre) e Mark Gardener (Ride). Já dividiram palco com Television Personalities e Primal Scream, e foram produzidos por Brian O'Shaughnessy, que já trabalhou com a My Bloody Valentine.

A grande diferença entre a The Tamborines e outras centenas de bandas brasileiras que surgem todos os anos e se aventuram a compor em inglês, é que no caso dos paranaenses há um domínio absoluto do idioma estrangeiro. É o accent, o popular sotaque que derruba tanta gente metida a besta.

Camera & Tremor é o primeiro full album da banda e foi lançado ano passado. Quem está segurando as baquetas em disco e turnê é o baterista inglês Marc Gooderham.

A banda, que vem ganhando destaque na imprensa inglesa (o NME e a BBC criticaram positivamente os brasileiros) é a prova de que o rock independente brasileiro está mais vivo do que nunca, e sem precisar dos meios oficiais (e "oficiosos") para garimpar o reconhecimento estrangeiro para nosso país.

Fiquem com The Tamborines tocando "Sally O'Gannon", canção retirada de seu álbum de estréia. Detalhe: a "estética Andy Warhol" do clipe.

The Tamborines é para quem gosta de: My Bloody Valentine, Ride, Velvet Underground, Black Rebel Motorcycle Club, Teenage Fanclub e shoegazing em geral.

Lançamento: Longe de Onde (Karina Buhr)

2011-10-18T15:39:00.014-03:00

Não pense o leitor que Karina Buhr é mais uma cantora da nova MPB a se aventurar pelas rodas de samba. Ou mesmo que ela é do tipo que tenta pegar alguma carona nas barras dos vestidos das divas Elis Regina e Marisa Monte. Não.

Karina Buhr é baiana de nascimento, pernambucana de experiência e, apesar da voz feminina e da sensualidade agrestina à flor da pele, evoca como patronos de sua arte os nomes masculinos de Tom Zé, Walter Franco, Luiz Gonzaga e Arnaldo Antunes.

Longe de Onde - seu segundo disco - vem continuar o trabalho de arrebatamento dos sentidos iniciado em Eu Menti Pra Você, lançado ano passado. O álbum é um verdadeiro compêndio das influências cosmopolitas da cantora, que vão do rock básico ("Cara Palavra") ao reggae ("Cadáver"); passando em "Sem Fazer Ideia" por uma espécie de frevo caindo das alturas em slow motion. Um caldeirão de ritmos que Karina maneja muito bem.

Talvez o motivo para tamanha versatilidade venha de sua criação musical, pautada por sua inserção na arte popular de rua pernambucana, e que desembocou na celebrada colaboração com a banda Comadre Fulozinha.

Quando ouvimos faixas como "Copo de Veneno" ficam notórios os dedos de membros da banda como o baixista Mau e o baterista Bruno Buarque, bem como da própria Karina, na produção de Longe de Onde. A mixagem exacerbando o fuzz e pondo a cozinha em primeiro plano, cria uma curiosa ponte entre o stoner rock de Josh Homme (Queens of the Stone Age) e a musicalidade arrojada da dupla de guitarras formada por Fernando Catatau (Cidadão Instigado) e Edgard Scandurra (ex-Ira!).

"A Pessoa Morre" é Arnaldo Antunes voltando no tempo e compondo um blues vanguardista pra Rita Lee e os Mutantes, no início dos anos setenta.

Em "The War's Dancing Floor", Karina Buhr ensina como se cantar em inglês de verdade. A música é um tapa de luvas em algumas bandas independentes brasileiras, safra pós-Cansei de Ser Sexy, que acham que basta a leitura de dois números da revista Speak Up para que se possa cantar no idioma do país dos cigarros Marlboro.

Destaque para a boemia barfly de "Não Precisa me Procurar"; a singela e cativante sinceridade de "Não me Ame Tanto"; o brega adocicado e indie de "Pra Ser Romântica"; e para o delicioso nordestinismo (balançando na rede de tão preguiçoso) em "Amor Brando".

Karina Buhr faz o rock nacional seguir em frente. Sua música injeta mais fôlego na possibilidade artística do Nordeste brasileiro que, ignorado pelos grandes centros e transformado em irmão pobre e de relevância improvável, resiste e gera poesia e conteúdo.

Canções como "Guitarristas de Copacabana" são o sobrevoo da boa música sobre o zumbi andarilho em que veio a se tornar o rock nacional oitentista. Sua atitude flerta com a música popular sem ceder mais que o necessário.

Sua música transcende rótulos e adentra várias portas ao mesmo tempo. Agindo assim, Karina Buhr não elucida nada, apenas confunde. Não salva o rock, mas o reduz às proporções de uma agulha e o arremessa num palheiro de música mutante e imagens literárias caleidoscópicas. Era isso mesmo que tanto queríamos. Era exatamente isso que procurávamos.

Karina Burh é para quem gosta de: Arnaldo Antunes, Walter Franco, Mombojó, Torquato Neto, Chico Science e Lulina.

Lançamento: Mylo Xyloto (Coldplay)

2011-10-18T13:28:00.016-03:00

A banda que foi uma grata surpresa em seu primeiro disco; que abriu as portas da esperança no segundo; que desapontou no terceiro e foi bastante broxante no quarto, volta agora com um quinto e irrisório álbum.

Mylo Xyloto, novo trabalho dos ingleses do Coldplay, continua - com absurda propriedade - do ponto onde Viva La Vida or Death and All His Friends parou, a tarefa de desmembrar o pouco que sobrou do promissor legado que a banda começou a construir quando lançou A Rush of Blood to the Head, em 2002.

Se a pieguice puder ser sintetizada na forma de notas musicais, com certeza ela terá a cara da dobradinha "Mylo Xyloto/Hurts Like Heaven", que abre o disco. Juntas, as canções servem muito bem de trilha sonora para um passeio pelos verdejantes campos irlandeses, ou simplesmente pela Lagoa Rodrigo de Freitas, numa daquelas idílicas imagens das novelas do Manoel Carlos.

Falando em trilhas sonoras... Se ano passado houvessem construído uma sonda maior para o resgate dos mineiros chilenos, e fosse possível colocar o músico inglês Rick Wakeman com um de seus teclados dentro do equipamento, ele com certeza desceria às profundezas tocando algo como "Paradise".

A quarta música, "Charlie Brown", segue a cartilha que U2 e Simple Minds vêm distribuindo aos roqueiros politicamente corretos desde os anos 80, ensinando como fazer uma música de letra tocante e melodia tediosa ser transformada em hit para as grandes arenas.

Se você baixou ou comprou este disco, foi ouvi-lo e aguentou acordado até agora, então prepare o travesseiro para a pelúcia que é "Us Against the World".

"Every Teardrop Is a Waterfall", primeiro single retirado de Mylo Xyloto, é tão constrangedor que nem a banda de Bono Vox teria coragem de gravar algo com esse grau de falta de imaginação.

Os próprios músicos do Coldplay já devem ter previsto uma debandada geral de seu público e parecem estar tratando de estreitar relações com ouvintes menos criteriosos, daquele tipo de gente que não sabe qual a diferença entre um acorde e um guarda-chuva. Por isso trataram de fazer uma bisonha parceria com a cantora de R&B Rihanna. O resultado disso é a intragável "Princess of China".

A faixa "Up in Flames" é uma baladinha chata, prima em primeiro grau de "Calling All Angels", de Lenny Kravitz. Se o ouvinte desistir antes de "Don't Let It Break Your Heart" e "Up With the Birds", as duas últimas faixas do disco, não irá perder grande coisa.

No balanço geral trata-se de um trabalho muito pobre. Principalmente se levarmos em conta que a produção esteve nas mãos da banda e de mais quatro outros nomes, dentre eles o responsável (ao lado do guitarrista The Edge) pela criação do chamado "som U2": Brian Eno.

O ex-Roxy Music deve ter se esbaldado, tanto que contribuiu com pelo menos duas músicas e deixou sua marca em três desnecessárias vinhetas.

Mylo Xyloto (Moinho de Madeira, em grego) atesta que o Coldplay caiu desavergonhadamente na auto-paródia. A banda abandonou o questionamento motivador em prol da esperança meramente conformista.

Dentro do ideário do Coldplay, esse é um disco feito para que o ouvinte se esqueça dos conflitos na Líbia e da crise no mundo árabe, das águas poluídas de radiação no mar do Japão. Enfim, de todas as mazelas acontecidas nos últimos anos. Esse é o mundo que a banda criou para si e para os seguidores de seu evangelho. Um mundo cheio de canções de refrões fortes e mensagens positivistas e ecológicas, de melodias assobiáveis e papel colorido picado. Reciclado, sem sombra de dúvidas.

Esse é o disco onde o filho Coldplay, com a anuência do pai U2, diz "Vinde a mim, todos os emos e vegans cansados e oprimidos, e eu vos aliviarei." - Amém.

Lançamento: Night of Hunters (Tori Amos)

2011-10-18T11:09:00.009-03:00

Nesses tempos em que muita gente no mundo da música troca a intensidade do sentimento pela superficialidade plástica; a mensagem pelo SMS; o êxtase atemporal pelo impacto instantâneo; é para se receber Night of Hunters, novo álbum da cantora americana Tori Amos, com um sorriso enorme no rosto.

Para começo de conversa, Night of Hunters não está saindo por uma gravadora convencional, do tipo Warner, Sony ou EMI; mas pela Deutsche Grammophon, renomado selo alemão de música clássica que tem distribuição pela Universal. O segundo ponto de destaque, é que Amos usou seu talento para inserir suas letras pessoais (e passionais) e sua maravilhosa voz em peças de grandes compositores como Bah, Chopin, Schubert, Debussy e Satie.

Trata-se de um álbum conceitual que explora - segundo explicação da própria cantora - o lado "caça/caçador" que existe em cada um de nós.

A ausência de instrumentos convencionais como guitarra e bateria, não serve como justificativa para a não audição desse disco por parte dos fãs de rock, uma vez que muitas vezes o clima das músicas é mais pesado que muita coisa que as bandas de heavy metal atuais andam fazendo. Os fãs de Muse, por exemplo, já tão acostumados com as intervenções de piano que Matt Bellamy faz, precisam e merecem ouvir esse disco.

Alguns dos músicos adicionais são bastante afamados no meio erudito, como o clarinetista Andreas Ottensamer, da Filarmônica de Berlim; e o quarteto de cordas vienense Apollon Musagète Quartet.

John Philip Shenale, colaborador de longa data de Tori Amos é o responsável pela condução dos arranjos, e a cantora faz preciosos duetos com as cantoras Kelsey Dobyns (que interpreta a "Musa do Fogo" na faixa que dá título ao álbum) e Natashya Hawley.

Natashya Hawley é filha de Tori Amos. As duas dividem os vocais em quatro canções ("Snowblind", "Cactus Practice", "Job's Coffin" e "The Chase").

O álbum já é primeiro lugar na parada de clássicos da Billboard, e quinto no Top de Álbuns Alternativos da mesma revista.

Night of Hunters é um trabalho diferenciado. Não é rock e não é pop. É erudito e, de certa forma, alternativo. A voz de Tori Amos lembra demais a voz da inglesa Sarah Brightman, o que não chega a comprometer o resultado do disco em nenhum momento. Da parte do Aeropsicodélico, Night of Hunters ganha cinco estrelas com louvor.

Sinta um pouco do clima de Night of Hunters ouvindo a canção "Job's Coffin", que conta com a preciosa colaboração de Natashya Hawley, filha de Tori Amos.

Para quem gosta de: Sarah Brightman, Chopin, Debussy, Bach, Schubert, Granados, Satie.

Álbum da Semana: Under the Blacklight (Rilo Kiley)

2011-10-17T10:11:00.010-03:00

Se você é daquelas pessoas ranhentas, chatas, distímicas, que detesta músicas com apelo pop e cheias de melodia, feitas por bandas que cursaram as escolas ABBA, Steely Dan e Fleetwood Mac (fase anos 70), então pode parar de ler por aqui.

Quem pinta hoje no Álbum da Semana é a banda americana Rilo Kiley (pronuncia-se "Ráilo Quíli").

A Rilo Kiley foi uma banda que surgiu em 1998, em Los Angeles, fruto da colaboração de quatro músicos que já trabalhavam com outras bandas. Ou seja, as coisas começaram mais como um projeto paralelo.

Dentre esses músicos estavam Blake Sennett (vocais, guitarra e teclados) e Jenny Lewis (vocais, guitarra, teclados e baixo), dois ex-astros infantis da televisão americana. A eles se juntaram Pierre de Reeder (baixo, guitarra e vocais) e Dave Rock (bateria). O baterista Dave Rock seria substituído mais adiante por Jason Boesel.

Em 1999 foi lançado pela gravadora independente da própria banda (Rilo Records), o EP The Initial Friend. Esse disco trazia o hit "The Frug" que ganhou destaque por ter sido incluído na trilha do filme Desert Blue, estrelado por Christina Ricci. Seguiram-se mais três discos, até que em 2007 a Rilo Kiley soltou Under the Blacklight.

O álbum é daqueles trabalhos raros em que tudo está no seu devido lugar, e você vai abrindo mais e mais o tamanho do sorriso conforme vai avançando de faixa.

A sensação de prazer já começa na primeira música: "Silver Lining". A canção - cantada com sentimento por Jenny Lewis - é um extasiante híbrido de alt country com uma raspadinha de soul music e um riff hiper grudento. Segue-se o pop de guitarras etéreas "Close Call".

A faixa título ajudou a reforçar as comparações da Rilo Kiley com a maior fabricante de hits na música americana na década de 70, Fleetwood Mac.

Existem ainda o pop perfeito de "Dreamworld", a pós-disco "Dejalo", o gospel indeciso de "15", o frescor sessentista de "Smoke Detector", e a meio-country "The Angels Hung Around".

Claro que existem também alguns escorregões como "The Moneymaker" e "Give A Little Love", duas faixas tão antenadas com o pop de FM dos dias de hoje, que se perdem um pouco das demais músicas de Under the Blacklight.

O disco é quase que inteiramente composto e cantado por Jenny Lewis (a exceção é "Dreamworld", cantada por Sennett, com Jenny fazendo apenas voz de apoio), demonstrando que o outro cérebro do grupo (Sennett) já nessa época estava bastante desinteressado da Rilo Kiley.

Depois da turnê de Under the Blacklight a Rilo Kiley foi se separando aos poucos, com Jenny Lewis firmando uma parceria com seu namorado, Johnathan Rice, no projeto Jenny & Johnny. Ano passado a cantora participou de Flamingo, estréia-solo de Brandon Flowers (The Killers) cantando a música "Hard Enough". Já Blake Sennett voltou a se dedicar a um projeto que mantinha desde 2004, a banda The Elected.

Em abril desse ano, Sennett disse em entrevista que a banda dificilmente voltará a se reunir. Dá até para usar a letra de um dos singles retirados desse álbum, "Breakin' Up", como exemplo de que nem sempre as separações precisam resultar em algo traumático.

Rilo Kiley é para quem gosta de: Fleetwood Mac, baladas, trilha sonora de Grease - Nos Tempos da Brilhantina

God Save Bretanha: Paolo Nutini (Escócia)

2011-10-16T22:15:00.005-03:00

Não se engane com o nome italiano: o jovem Paolo Nutini é escocês de nascimento. Paolo trabalhava no negócio de pesca mantido por seu pai, quando decidiu que queria viver de música.

Acontece que Paolo não possuía qualquer formação musical. A solução encontrada foi mergulhar de cabeça no mundo da música para realizar seu sonho. Nutini - numa atitude que só se justifica pelo talento nato do músico - abandonou os estudos e caiu na estrada, trabalhando como roadie de uma banda e vendendo camisetas da mesma.

Foram três anos de aprendizado com essa banda. Nutini arranjou um trampo num estúdio e, assim gastava suas horas vagas aprendendo mais sobre sua futura carreira.

Deu tanto certo que Paolo Nutini, ainda com 17 anos de idade, saiu de sua cidade natal (Paisley, na Escócia) para morar em Londres. Na capital inglesa passou a cantar regularmente em pubs até ser convidado a cantar em vários lugares, como no programa Later with Jools Holland; nos festivais Oxegen, T in the Park e Glastonbury, em 2007; no Carneggie Hall (Nova Iorque) e na capital austríaca Viena, abrindo para os Rolling Stones.

Em sua breve carreira até agora, Paolo Nutini lançou dois belos álbuns chamados These Streets (2006) e Sunny Side Up (2009).

Sua música se baseia num pop rock com elementos de folk e do chamado white soul, que nada mais é que a veia mais suave da clássica soul music. Tudo com muito bom gosto, embalado por um excelente instrumental e pela fantástica voz de Nutini.

Conheça mais do trabalho de Paolo Nutini assistindo aos vídeos de dois de seus sucessos ao vivo. A primeira música é a sensacional "Candy", no programa de Jools Holland. Se você curte aquele som Motown de Temptations e Four Tops, ou é apenas um órfão de Amy Winehouse, então você precisa ver Paolo Nutini cantando "Coming Up Easy". O segundo vídeo veio de uma apresentação que Nutini fez no programa de Jonathan Ross, na TV britânica.

Paolo Nutini é para quem gosta de: folk, soul music, artistas da Motown como The Temptations.

Banda da Semana: Loquat (EUA)

2011-10-13T12:49:00.005-03:00

Loquat é uma formação que se equilibra entre o pop e o eletrônico. A banda está na ativa desde 2001, mas foi só lá pelos idos de 2004 que essa turma começou a ficar falada, quando "Swingset Chain" apareceu num dos episódios da série de TV One Tree Hill.

A banda teve algumas mudanças de integrantes até se estabilizar com os músicos Chip Cosby (guitarra), Christopher Cooper (teclados), Anthony Gordon (baixo), Jon Langmead (bateria) e Kylee Swenson (vocais e guitarra).

Falando em Kylee Swenson, sua voz é descrita como um híbrido de Sarah McLachlan com a Cat Power dos primeiros discos. De qualquer modo, é uma das vozes femininas mais bonitas que eu já ouvi.

O trabalho da banda em seus dois únicos álbuns, It's Yours to Keep (2004) e Secrets of the Sea (2008), é de um bom gosto raro nos dias de hoje.

Aprecie o pop eletrônico de alto nível da Loquat (cujo nome estranho designa uma fruta conhecida no Brasil como "Ameixa Amarela") em "Harder Hit", faixa que abre Secrets of the Sea.

Loquat é para quem gosta de: Cat Power (do começo), PJ Harvey (fase Stories from the City, Stories from the Sea) e Minipop.

Round do Dia: Rufus Wainwright X Siouxsie and the Banshees

2011-10-13T10:42:00.002-03:00

Nessa edição do Round do Dia veremos quem se saiu melhor fazendo uma versão dos Beatles. O primeiro concorrente é o canadense Rufus Wainwright com "Across The Universe". A canção, que originalmente pertence ao álbum Let It Be, de 1970, aparece aqui numa versão feita para a trilha do filme I Am Sam, de 2001.

Outra canção do quarteto de Liverpool ganha uma roupagem gótica nas mãos de Siouxsie and the Banshees. A banda inglesa liderada pela eterna musa dos darks, Siouxsie Sioux, interpreta "Dear Prudence", lançada pelos Beatles no célebre White Album (1968). A "Dear Prudence gótica" tem uma curiosidade a mais: quando foi lançada em 1983, apenas em compacto, o líder do The Cure - Robert Smith - dava uma força aos Banshees, tocando guitarra.

O rock e as crianças

2011-10-12T15:44:00.019-03:00

Em sua grande maioria, os roqueiros sustentam a reputação de serem personagens interessantes, míticos, quase deuses olimpianos.

As pessoas esquecem, no entanto, que esses seres fantásticos já foram crianças como quaisquer outras, com seus problemas e frustrações. Alguns sofreram abuso doméstico, outros na escola; e muito do que vivenciaram na infância - quer fossem experiências boas ou más - acabou refletindo objetiva ou subjetivamente na música que fariam quando adultos.

Um certo garoto americano chamado Brian Wilson passou a infância inteira sendo vítima das agressões do pai, Murry. O menino cresceu; montou um grupo chamado Beach Boys; criou álbuns geniais, verdadeiras obras primas do rock como Surfin' USA, Christmas Album e Pet Sounds, e preparava-se para lançar uma "sinfonia adolescente para Deus" quando as surras do pai sofridas na infância (aliadas ao consumo de LSD) fizeram-no sucumbir a um colapso psicológico que o afastou da música por duas décadas.

Outro garoto, nascido em Gary, no estado americano de Indiana, também sofreu abusos semelhantes na infância.

Obrigado por um famigerado e ganancioso empresário - que por um infeliz acaso também era seu pai - a encarar a estrada numa banda profissional ao lado dos irmãos, o garoto Michael Jackson foi crescendo diante dos olhos da mídia.

Mas enquanto as multidões do mundo todo se deixavam levar pelo encanto do jovem Michael e sua bela voz de canário, o garoto e seus irmãos sofriam todo tipo de tortura física e psicológica nas mãos do pai, Joseph Jackson. Não por acaso que Michael, tão logo viu-se capaz de abandonar aquele jugo, tratou de afastar-se de seu carrasco em tempo real e pai nas horas vagas. Morreu em junho de 2009, depois de passar seus últimos anos recluso numa mansão que tinha um parque de diversões particular, e tendo de ouvir piadas jocosas e - mais grave ainda - de se defender de acusações de que abusaria sexualmente de outras crianças.

Michael Jackson pagou o alto preço por tentar reaver sua infância perdida enquanto envelhecia num corpo de adulto. O mundo, por outro lado, jamais entendeu isso.

Há casos mais felizes, onde o rock serviu como terapia para algumas infâncias difíceis. É o caso de dois "Joãozinhos" ingleses. Um nascido em Liverpool e outro em Birmingham.

O primeiro cresceu sendo jogado de um lado para o outro, tendo de viver algum tempo sob a custódia da mãe, outro tempo com o pai, e passando o resto da infância e toda a adolescência debaixo da tutela da tia. Na escola sofria com as agressões físicas dos meninos mais velhos e descarregava toda sua revolta em constantes enfrentamentos com outras crianças. Entrou pra adolescência trazendo consigo esse horrível currículo que era "adornado" com cinismo, arrogância e uma língua ferina. Ainda criança ganhou do tio uma gaita. Alguns anos depois, já adolescente, foi tia Mimi quem lhe deu uma guitarra e a sentença: "Você pode até tocar essa guitarra, mas nunca vai ganhar a vida com ela."

A autora da frase não poderia ter se enganado mais. O "Joãozinho" em questão era John Winston Lennon.

O "Joãozinho" de Birmingham nasceu oito anos depois do Joãozinho Lennon. Teve uma infância pobre, tendo de morar numa casa de dois quartos com os pais e mais cinco irmãos. Assim como seu xará de Liverpool, John Michael era disléxico, ou seja, tinha dificuldades de aprendizado na escola. Como consequência disto, foi gradativamente se envolvendo em gangues de rua, tendo sido por diversas vezes preso e quase morrido em outras ocasiões.

Veio então o rock em sua vida, ele mudou o nome para Ozzy Osbourne e, chegando na vida adulta montou uma banda chamada Black Sabbath.

Todo roqueiro já foi criança. Todo roqueiro já brincou, tirou nota baixa na escola, apanhou de um menino mais velho, enamorou-se da menina sentada na carteira ao lado ou ficou de castigo no milho.

Quando adultos, nossos meninos ajudaram a definir o rock como o conhecemos hoje, ao mesmo tempo que mudaram a história da música popular mundial. Brian Wilson fez parte de uma das mais conceituadas bandas de todos os tempos; John Lennon, além de fazer parte da formação que transformou a vida de milhões de pessoas e influenciou milhares de bandas de rock, foi um atuante ativista político enquanto viveu; Michael Jackson foi nada menos que o Rei do Pop, e o Heavy Metal, uma das vertentes do rock com mais seguidores possui em seu DNA a assinatura de Ozzy Osbourne.

Hoje nos parece interessante ver algumas dessas histórias de vida. Algumas pessoas têm um sádico prazer quando pensam em como esses heróis de nossas vidas foram forjados com suor, cicatrizes e lágrimas. Se pensa basicamente na superação dos limites e no talento de cada um desses e de outros tantos ídolos que tiveram experiências semelhantes na infância.

Se esquecem, porém, de que não importa se a criança um dia empunhará uma guitarra ou uma bandeja de garçom; se um par de baquetas ou um estetoscópio.

O importante é que a criança seja tratada hoje e sempre como criança. Que seja com respeito, carinho e dignidade. Que desses ídolos seja repassada ao nossos filhos e irmãos e sobrinhos, apenas e tão somente a música. Que sejam roqueiros por opção, e não por imposição de uma dura vida.

Que as crianças usufruam, primeiramente, daquilo que é uma habilidade particular e direito nato delas: Brincar, e tão somente brincar.

Feliz dia das crianças a todos os amantes da boa música (crianças ou adultos) que se recusam a deixar de sonhar e a embrutecerem como o mundo lhes manda.

Rock Latino: Gaëtan Roussel (França)

2011-10-08T10:18:00.005-03:00

Ah! os franceses com aquele jeitinho debochado e blasé deles. Mas desde que o mundo tomou conhecimento do hiperativo Serge Gainsbourg, a boa música tem sido - ao lado dos postais da torre Eiffel e dos croissants - uma das marcas registradas da França.

É de lá que vem um cara que com absoluta certeza fará a cabeça da minha amiga Jess Gabrielle. Estou falando de Gaëtan Roussel.

O guitarrista, letrista e compositor começou sua carreira em 1994, liderando a banda Louise Attaque. Também integrou o Tarmac, projeto montado por ele e por outro integrante da Louise Attaque (Arnaud Samuel) durante o recesso da banda original.

Em 2009, Gaëtan se lançou em carreira solo, e em março de 2010 lançou seu primeiro álbum, Ginger.

Confira uma amostra do trabalho de Gaëtan Roussel em "Dis-moi Encore Que Tu M'aimes".

Homenagem do Aeropsicodélico a Bert Jansch

2011-10-07T09:13:00.007-03:00

Bert Jansch (3 de novembro de 1943 - 5 de outubro de 2011)

Não foi apenas o empreendedor fundador da Apple, Steve Jobs, que o câncer levou essa semana. Bert Jansch, um dos mais respeitados e influentes guitarristas da música mundial também perdeu sua luta contra essa terrível doença, há dois dias.

Nascido na capital escocesa, Glasgow, Herbert "Bert" Jansch lançou-se cedo no mundo da música, tendo tomado parte no revival do folk britânico que se solidificou na Inglaterra na década de 60, ainda que em segundo plano, ofuscado da beatlemania.

Em abril de 1965, Bert Jansch lançou seu homônimo álbum de estréia. O disco é considerado uma obra prima do gênero folk, tendo influenciado, entre outros, Nick Drake. Também é um dos álbuns constantes no guia de referência musical 1001 Discos Para Ouvir Antes de Morrer, editado por Robert Dimery.

E por falar em influências, a Bert Jansch é creditada a honra de ter sido o modelo de vários nomes do rock and roll, dos anos sessenta até os dias de hoje. De Paul Simon, Donovan, Neil Young e o já citado Nick Drake, nos sixties; adentrando os setenta com Jimmy Page; os oitenta com Johnny Marr (The Smiths) e noventa com Bernard Butler (Suede) e Graham Coxon (Blur), a marca de Bert Jansch está presente em quase todo roqueiro inglês que pega uma guitarra acústica. O ex-guitarrista dos Smiths disse certa vez: "Há pessoas que tocam e nem fazem ideia de que foram influenciadas por ele".

Até nos anos 2000 ainda havia quem reverenciasse o músico. Em 2007, Jansch foi convidado a participar do disco Shotter's Nation, da banda inglesa Babyshambles. É ele quem toca violão na última faixa desse disco, a canção "The Lost Art of Murder".

No ano de 1968, o músico fundaria o grupo Pentangle, ao lado da vocalista Jacqui McShee, do guitarrista John Renbourn, do baixista Danny Thompson e do baterista Terry Cox. Permaneceria na formação até o ano de 1973. A banda, ao lado da Fairport Convention, se tornaria uma das maiores difusoras do folk britânico durante toda a década de setenta.

O cantor lançou mais de trinta álbuns, entre gravações originais, discos ao vivo, EP's e compilações. Seu último trabalho foi The Black Swan, lançado em 2006.

Bert Jansch vinha nos últimos anos lutando contra um câncer não especificado, e faleceu num centro de tratamento para doentes terminais, em Londres. Sua música, porém, ficará para a posteridade.

Como o canadense Neil Young fez questão de dizer "O que Jimi Hendrix foi para a guitarra, Bert Jansch foi para o violão". Acredito que não poderia haver epitáfio melhor para expressar a importância desse escocês fabuloso.

O Aeropsicodélico sugere "Needle of Death", presente no maravilhoso álbum de estréia de Bert Jansch, de 1965.

Banda da Semana: Lotus Plaza (EUA)

2011-10-06T10:48:00.005-03:00

Para Lockett Pundt não bastava apenas ser o guitarrista e vocalista da Deerhunter (banda que você viu aqui outro dia). Por isso o músico se lançou numa empreitada solo usando o nome de fantasia Lotus Plaza.

Quando falamos em empreitada solo estamos falando a mais pura verdade, pois Lockett toca tudo sozinho em The Floodlight Collective (2009), primeiro álbum de seu projeto paralelo, e que de coletivo mesmo só tem o nome.

O estilo é o mesmo de sua banda de origem, com aquelas guitarras viajantes, teclados etéreos e bateria simples. Tudo demonstrando que o músico sofreu forte influência de Jesus and Mary Chain, Ride, My Bloody Valentine e outros pilares do shoegazing britânico.

Assista o vídeo de Lockett Pundt e sua Lotus Plaza, com a climática "Rain Down" e sua introdução irmã de "Just Like Honey", do Jesus and Mary Chain.

Lotus Plaza é para quem gosta de: Deerhunter, Jesus and Mary Chain, Ride, shoegazing em geral.

Round do Dia: Cloud Nothings X Pullovers

2011-10-06T10:20:00.002-03:00

Sessão acústica hoje no Round do Dia, em duas apresentações para lá de despretensiosas. Temos os americanos da Cloud Nothings mandando "Hey Cool Kid" e os brasileiros da Pullovers com "Tudo que Eu Sempre Sonhei". As bandas tocam versões despojadas de seus hits e mostram que nem sempre é preciso uma guitarra ou uma bateria eletrônica pra se fazer uma grande música.

Lançamento: Metals (Feist)

2011-10-04T16:42:00.007-03:00

Metals, novo álbum da canadense Leslie Feist, começa denso e hermético, e vai aos poucos se mostrando um trabalho arejado e até certo ponto delicado.

O disco não se inicia com uma atmosfera noturna apenas, mas com um clima madrugador mesmo, notívago, embriagado de bourbon e cambaleando num beco qualquer de uma metrópole suja que pode muito bem ser a sua.

Logo nas primeiras faixas, o talento de Feist destila os melhores momentos do submundo de Lou Reed (nas letras) e Tom Waits (na atmosfera) e solta álbum para se ouvir com o coração atravessado por farpas.

Os trabalhos são abertos com "The Bad in Each Other", faixa que serve como terapia e mantra para uma alma ferida. "Eu segurei seu coração. Uma varinha gigante. Todos falam de tristeza e a história começa a ter olhos azuis e marrons", desabafa em "Graveyard".

A voz sai cristalina e intensa em "Caught a Long Wind", que tem um acompanhamento primoroso de cordas e piano, e providenciais intervenções de glockenspiel. Nos deparamos depois com "How Come You Never Go There" e entendemos o motivo dessa faixa ter sido escolhida para ser o primeiro single de Metals. Preste atenção como a guitarra "canta" o refrão juntamente com Feist.

A tensão de "A Commotion" nos prende numa gaiola e tira-nos o fôlego aos poucos, substituindo-o por um prazer enorme. Êxtase é a tônica de "Anti-Pioneer", fabulosa faixa cheia de sentimento, que eleva o espírito enquanto transborda dor e tristeza.

"The Circle Married the Line" entra em cena com uma cândida atmosfera. Logo depois nos vemos diante de outra jóia: "Bittersweet Melodies". Um belo hino.

O clima campestre e as belas tramas de violão de "Cicadas and Gulls" são o sinal de que Feist andou aprendendo algo com a veterana e também canadense Joni Mitchell.

E por falar em veteranos... Quer ouvir um pouco de Rolling Stones fase Beggar's Banquet? Então ouça "Comfort Me". Para concluir os trabalhos temos a emocionante "Get It Wrong, Get It Right", com seus barulinhos e climão hippie.

De certo modo, Metals lembra bastante, tanto em sonoridade quanto em atmosfera, um certo álbum de outra fabulosa cantora da atual geração. Estou falando de Jukebox, lançado em 2008 por Chan Marshall, a Cat Power.

Porém, ambos os trabalhos - apesar de semelhantes - possuem força e personalidade própria. Feist mostra o quanto evoluiu como compositora e intérprete, e o quanto sua sensibilidade tem se tornado apurada. E é preciso apenas isso para se fazer um grande disco como Metals.

Feist é para quem gosta de: Joni Mitchell, Tori Amos, Cat Power, Neil Young e Tom Waits.

Lições de vida para a senhora Claudia Leitte

2011-10-03T10:37:00.026-03:00

A polêmica gerada pela apresentação da cantora Claudia Leitte no Rock in Rio me fez ponderar um pouco a respeito dos eventos ocorridos antes, durante e após seu show na noite de abertura do festival.

Claro! Tudo é possível em termos de internet, onde as coisas comentadas aqui ou ali simplesmente fluem através de conexões de satélites e cabos de fibra ótica, e em questão de pouco tempo estão nos computadores, tablets ou mesmo celulares em qualquer parte do mundo, mas não sei se a referida cantora chegará a ler esse post. Contudo escreverei aqui como se estivesse a ela me dirigindo.

Prezada Sra. Claudia Leitte

Gostaria de contar com a atenção da senhora para esclarecer algumas coisas com relação ao rock e o público que gosta desse estilo musical. Coisas que ao que me parece não lhe foram suficientemente explicadas. O que, convenhamos, houvesse sua assessoria lhe prestado certas informações antecipadamente talvez a senhora nem tivesse aceitado a empreitada de encarar um evento desses. Antes de mais nada entenda-se que uso o termo 'senhora' não por causa de sua idade (já que é bastante jovem) mas por uma questão de respeito, haja vista - em primeiro lugar - ser uma mulher casada e mãe, e também pelo fato de que me resguardo o direito de não tecer uma proximidade que poderia advir com o uso do termo "você". Acredito que ao menos nesse ponto concordaremos.

Vejamos então algumas coisas que a senhora precisa saber para que se evitem futuros embates com os roqueiros por aí afora:

Em primeiro lugar, o público de rock é questionador por natureza, e sincero o bastante para dizer "na lata" quando gosta ou não gosta de algo.

Não foi pelo fato da senhora ser cantora de um estilo completamente avesso ao rock que lhe dirigiram hostilidades. Em julho de 1965, Bob Dylan, o trovador e mentor intelectual de sua geração, se viu sob as vaias do público que foi assisti-lo no Newport Folk Festival. Tudo porque o cantor, influenciado pelas guitarras dos Beatles, resolveu naquele festival, abandonar seu estilo tradicionalmente acústico e mostrar uma versão eletrificada de seu som. No ano seguinte, os próprios Beatles viram seus antigos fãs queimarem em praça pública, em todos os Estados Unidos, seus discos e vários artigos de merchandising que levavam a marca do quarteto inglês. Tudo por conta da polêmica declaração de John Lennon, que teria dito que seu grupo superava Jesus Cristo em prestígio e fama.

É lamentável que a senhora tenha como referência o fã de axé. Não querendo generalizar, mas boa parte do público desse estilo musical pouco conhece de música ou técnica. Diferente de um grupo de rock, um músico de jazz ou blues, que se vier a errar alguma nota ou atravessar o andamento de uma música será alvo de comentários ou mesmo vaias por parte de ouvintes mais atentos e radicais, o fã de axé que estiver numa micareta dificilmente perceberá um erro por parte de algum músico. Afinal, como uma das músicas que a senhora canta dá mesmo a entender, o fã de axé quer mais é beijar na boca.

O público de rock não é nazista nem simpatizante de Adolf Hitler, como a senhora anda dizendo.

Em uma de suas declarações à imprensa, a senhora andou comparando os fãs de rock aos nazistas. Segundo suas próprias palavras "Ok. Não gostar de Axé é normal! Anormal é achar-se superior porque conhece John Coltrane ou porque adora o Metallica. Procurem no Google sobre a história de um ariano que se achava superior aos judeus…".

Sinceramente eu gostaria de conhecer o fã de John Coltrane que pagou um ingresso caro e foi ao seu show especificamente para espinafrá-la. Ou mesmo o cidadão que curte Metallica, banda que só se apresentaria dois dias depois da sua performance no RiR, que resolveu assistir a apresentação da senhora só para lhe vaiar.

Exceto pelas bandas de rock voltadas para movimentos arianos, ditos de supremacia branca, e mais presentes em certos guetos alemães e nas regiões racistas dos EUA, qualquer outro link entre o rock e o nazismo é inexistente. Para sua informação, inclusive, vários roqueiros possuem origem judaica. Dentre os quais cito Paul Stanley e Gene Simmons (KISS), Jeff Hanneman (Slayer), Robbie Krieger (The Doors), Alex Lifeson e Geddy Lee (Rush), Hillel Slovak (falecido guitarrista dos Red Hot Chili Peppers), Dave Lee Roth (Van Halen) e Beck Hansen, que além de ser um cantor e um músico extremamente talentoso, é fã de seu conterrâneo Caetano Veloso. O próprio Lenny Kravitz, que também tocou nessa edição do RiR, é filho de pai judeu.

Portanto, acredito que seu comentário tentando relacionar nazismo com o rock foi de uma imprudência e falta de informação desconcertantes. Tente usar o Google antes de tecer comentários desse tipo. Foi através dele que eu cheguei a essas informações.

Não há base para esse seu pensamento de que o artista internacional "não dá tudo de si" quando vem ao Brasil.

Quando esteve se defendendo na revista Veja, a senhora disse o seguinte: "É que alguns subiram no palco e não colocaram sequer uma luz especial ou um cenário. Como não se importassem com o público(..) Nós, os brasileiros, que nos esforçamos para fazer o espetáculo da melhor forma possível, somos menos reconhecidos que eles.” - E continuou - “Só se fala de Red Hot Chilli Peppers e Rihanna. Quando esse pessoal vem ao Brasil, não dá tudo de si. Já fui a show deles fora do Brasil e é outra coisa. São superproduções”.

Senhora Claudia Leitte, por favor tente absorver algumas informações que terei o maior prazer em lhe repassar e que talvez a ajudem a mudar sua opinião quanto ao "descaso" dos artistas gringos com o público brasileiro. Segundo informações da revista Bizz especial do U2, lançada pouco antes das apresentações dos irlandeses no Brasil em abril, a turnê 360º - que foi a mesma que veio ao nosso país - tem um custo estimado em 100 milhões de dólares. O palco que tomou o gramado do estádio do Morumbi, em São Paulo, pesa cerca de 1.762 toneladas. São 400 caixas de som e, a banda usa 120 caminhões para fazer a logística desse equipamento todo. São necessárias 228 pessoas na equipe do U2 para a realização de um evento desse porte. Não entendo muito da arte do entretenimento baiano, mas acredito que esses números sejam astronômicos se comparados ao investimento e logística empregados para realizar um show de axé em cima de um trio elétrico.

Acredito que a senhora esteja informada que, apesar dos avanços nos indicadores econômicos e sociais apresentados pelo governo brasileiro nos últimos anos, ainda não somos efetivamente um país com tradições de primeiro mundo, como Inglaterra, França, Austrália, Alemanha ou, mesmo com toda a crise, os Estados Unidos. Por isso, muitas bandas internacionais, ou deixam de vir ao nosso país, ou adiam por anos sua vinda para cá. O Pink Floyd, por exemplo, jamais se apresentou em solo brasileiro.

Para algumas bandas só existem três opções que viabilizem sua vinda para o Brasil: a primeira é baratear o preço do ingresso fazendo justamente isso que a senhora condena, ou seja, cortando algo da luz ou do cenário. É o caso do Deep Purple, pilar do heavy metal mundial, uma das bandas mais icônicas da história do rock, que fará apresentações em Belém-PA, Fortaleza-CE, Campinas-SP e São Paulo-SP. A apresentação em Fortaleza, ao que tudo indica, se dará na Barraca Biruta, que como o próprio nome entrega trata-se de uma barraca de praia.

Outra opção é fazer como o Coldplay fez em 2002, quando se apresentou aqui pela primeira vez. Naquela ocasião, a banda de Chris Martin incluiu o nosso país numa das últimas datas da turnê. O que se justifica pelo raciocínio de que no decorrer da excursão, a banda obtém um score financeiro que "paga" um virtual prejuízo em trazer uma estrutura mais complexa para essa parte do globo. Tudo por conta dos altos custos logísticos. Há casos de artistas que reclamam até mesmo da grande despesa de se fazer shows na Austrália, que para eles - em sua grande maioria americanos e europeus - já é demasiado longe.

Uma terceira via aposta justamente nos festivais que, de certo modo acabam por ratear os custos, inibindo eventuais prejuízos.

Para exigir algo dos artistas estrangeiros, se requer que no mínimo a senhora entenda do que acontece com os custos, logística ou mesmo simplesmente os preços dos ingressos dos seus próprios shows. Coisa que ao que parece, a senhora não entende ou não quer entender.

Em declarações que a senhora prestou à revista Rolling Stone Brasil, na sua edição de número 41, de fevereiro de 2010 a senhora disse o seguinte: "Não sei nada de dinheiro, nada. Não sei quanto é o ingresso do show. Meu marido sabe tudo, o cara é matemático. Quando estou fazendo a volta ao mundo no melhor estilo Júlio Verne no meu balão encantado, ele é quem diz 'sim' ou 'não'. Eu sou da criação, quero mais é montar um palco lindo."

Aconselho a senhora a deixar um pouco de lado essa vocação de decoradora de ambientes para assumir de vez suas responsabilidades como figura de entretenimento.

Resumindo, Senhora Claudia Leitte. Se existe alguma culpa pelo seu desconforto junto ao público roqueiro deste país, ele recai em boa parte no colo dos empresários Roberto e Roberta Medina, pai e filha respectivamente, que erraram ao escolher duas artistas de axé para um mesmo evento. Não pelo estilo em questão ter sido do axé em si (faço questão de frisar isso), já que considero nomes como Rihana, Ke$ha, Katy Perry e Shakira tão axé music quanto a senhora ou Ivete Sangalo. Mas porque se fosse apenas uma cantora de axé, teria sido mais fácil encaixar essa apresentação na sexta-feira dia 30 de setembro, que tinha um line-up bem mais tranquilo. O fato de sua conterrânea não ter sofrido maiores represálias ilustra bem isso. Até porque, os mineiros do Jota Quest animaram a platéia a ponto de prepará-la para os shows de Lenny Kravitz e Shakira. E a própria Ivete Sangalo, a senhora há de concordar, possui muito mais carisma que a senhora.

Mas eu acredito realmente que a maior culpa pelo fiasco que foi sua apresentação no RiR 2011, senhora Claudia Leitte, foi sua postura pessoal que sempre se mostrou arrogante, prepotente. Permita-me a justificativa.

Na já citada entrevista à Rolling Stone Brasil, a senhora fez o desserviço a si mesma de criticar os roqueiros do Brasil, quem nem ao menos mexiam diretamente com a senhora. Pelo contrário: fazíamos questão absoluta de ignorá-la.

Nessa mesma entrevista a senhora disse "O roqueiro vai lá e fala do diabo, que fazer pacto é supercool e eu não posso falar de Deus? É brega falar que Jesus é massa, que é astral?". Não, Dona Claudia Leitte. De forma alguma é brega falar de Jesus. Mas teria sido bem mais educado de sua parte, se a senhora houvesse usado o termo "alguns roqueiros" em vez de generalizar com "o roqueiro".

Aconselho-lhe novamente a pesquisar no Google, e a senhora verá que há uma grande diferença entre a ideologia death metal de um Carcass, por exemplo, e o indie rock vegetariano dos Smiths. O cidadão que gosta de Marilyn Manson, sem sombra de dúvidas não é o mesmo que admira o Coldplay.

Quando falo em arrogância de sua parte, senhora Claudia Leitte, eu deixo me embasar por suas próprias palavras. Foi a senhora mesma, em seu blog, que disse - comentando sobre o "sucesso" de sua apresentação no RiR 2011 - o seguinte: "As pessoas falam pelas ruas de Salvador sobre o orgulho de terem uma baiana naquele palco". (quem quiser conferir clique aqui)

Ao que tudo indica, a senhora mesma parece ter esquecido que outra conterrânea sua também fez um show no mesmo Rock in Rio, dias depois da sua apresentação. E esse orgulho da sua apresentação, Dona Claudia Leitte, deve estar acontecendo somente em Salvador ou no seu distinto blog, pois no site da Multishow quando anunciadas as apresentações do RiR que seriam reprisadas pela emissora, houveram protestos acalorados contra o replay do seu show e a favor de várias outras atrações.

Para concluir, minha prezada senhora, eu lhe peço humildemente que ponha-se no lugar que a senhora mesma se colocou, nessa mesma entrevista cedida à Rolling Stone Brasil, ao se auto-proclamar um "produto". Nessa ocasião a senhora disse: "Eu sou um produto e quero ser vista como um produto pela minha empresa."

Pois entenda de uma vez por todas, Dona Claudia Leitte, que se eu ou a senhora compramos um produto no supermercado e esse produto vem atrelado a outro, nós temos o direito ou não de querermos ambos, ou mesmo de jogarmos um deles fora.

Algumas pessoas que compraram os "produtos" Katy Perry ou Elton John, não necessariamente compraram a senhora. E esses consumidores tinham todo o direito de reclamar e rejeitar esse "produto" que não pediram e que, ao que tudo indica, veio com um defeito enorme de fabricação chamado intolerância.

Quem quiser ler a entrevista da cantora Claudia Leitte na revista Rolling Stone Brasil, clique aqui.

Histórias do Rock: Capa e Capote do single

2011-09-30T11:44:00.006-03:00

Se estivesse vivo, o jornalista e escritor de novelas Truman Capote estaria completando 87 anos de vida hoje. É ele quem estampa a capa do single "The Boy with the Thorn in His Side", da banda inglesa The Smiths.

Oficialmente lançado em 23 de setembro de 1985, "The Boy with the Thorn in His Side" foi o primeiro single de The Queen Is Dead, álbum que seria lançado em junho do ano seguinte.

Na foto da capa, um jovem e saltitante Capote, no frescor de seus 25 anos, é capturado pelas lentes do fotógrafo Cecil Beaton. O próprio Morrissey disse certa vez que quando mostrou a fotografia aos seus colegas de banda eles perguntaram se aquele não seria Ernie Wise, um conhecido comediante inglês.

"The Boy with the Thorn in His Side" alcançou o 23º posto da parada inglesa. Sobre a letra, foi dito erroneamente que Morrissey teria se inspirado em Oscar Wilde para escrevê-la. O próprio cantor já negou isso veementemente, dizendo o seguinte: "(...) O espinho (thorn) é a indústria da música e todas aquelas pessoas que nunca acreditaram em nada do que eu disse, que tentaram se livrar de mim e não tocar os discos".

Para os mais apegados aos detalhes cabe mencionar que a "The Boy with the Thorn in His Side" do compacto lançado em setembro de 1985 é um pouco diferente da versão editada em The Queen Is Dead.

No disco, "The Boy with the Thorn in His Side" possui um acompanhamento de violinos e violoncelo durante praticamente toda a sua execução. Já na versão single a sessão de cordas só aparece depois que se inicia a coda final, e ainda assim bem discretamente.

Na versão 7", o lado B do compacto é composto somente por "Asleep", belíssima faixa ao piano que apareceria mais tarde nas coletâneas Louder Than Bombs e The World Won't Listen, ambas de 1987. No compacto de 12", o lado B contém um mix de "Rubber Ring" e "Asleep", com a segunda faixa servindo de continuação à primeira.

Por uma interessante coincidência, 30 de setembro, data de nascimento de Truman Capote ainda está ligada aos Smiths por um outro motivo. Foi em 30 de setembro de 1955 que o astro do cinema James Dean morreu num acidente de carro. Dean é ao lado de Oscar Wilde e dos New York Dolls um dos ídolos de Morrissey.

Veja os Smiths tocando "The Boy with the Thorn in His Side" em seu clipe promocional. O vídeo foi o primeiro que a banda de Manchester gravou para divulgar um single.

Rock de Brasília em cena

2011-09-29T12:56:00.006-03:00

Roqueiros do Brasil inteiro - e principalmente os que vivem na capital federal - estão aguardando ansiosamente a estréia do filme Rock Brasília - Era de Ouro.

O documentário mostrará entrevistas antigas e atuais, dadas por quem viveu o nascimento e apogeu do rock brasiliense. Gente como Dinho Ouro Preto e os irmãos Fê e Flávio Lemos (Capital Inicial), Philippe Seabra (Plebe Rude), o crítico musical José Emilio Rondeau, os Paralamas do Sucesso e, obviamente, a Legião Urbana. Até mesmo estranhos no ninho, como Caetano Veloso, aparecem dando suas versões dos fatos.

Parte do trabalho vem de imagens dos arquivos do diretor Vladimir Carvalho, e abordam o momento de rebeldia e excitação política e ideológica que o país viveu do período da ditadura militar à transição para a democracia.

O filme foi recebido com entusiasmo no último dia 26/09, quando abriu o 44º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro, e lotou a Sala Villa-Lobos, no Teatro Nacional Cláudio Santoro, obrigando quem não achou lugar nas cadeiras a disputar um espaço nas escadarias.

Assista ao trailer oficial do filme, cujo lançamento oficial está previsto para o dia 21 de outubro.

Round do Dia: Bad Lieutenant X British Sea Power

2011-09-28T15:39:00.004-03:00

Sessão "show de fantoches" no Round do Dia de hoje. Em primeiro lugar o Bad Lieutenant, projeto que Bernard Sumner montou para curtir as férias do New Order, com a música "Twist of Fate".

Depois teremos o British Sea Power com "No Lucifer", faixa presente em Do You Like Rock Music?.

Vejamos quem, numa expressão tipicamente cearense, "bota mais boneco" por aqui. Enjoy it!